Marais, Paris
Hans Hollein
Works From the 1960s
Thaddaeus Ropac[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] "I have always considered architecture as an art." —Hans Hollein (1934–2014) This exhibition at Thaddaeus Ropac Paris Marais offers an exceptional insight into Austrian architect, artist, designer, theorist and Pritzker Prize winner Hans Hollein’s eminently artistic practice. Declaring that ‘everything is architecture’, Hollein pioneered an expansion of the very concept of architecture. His artistic and architectural oeuvre were inextricably linked, cross-fertilising each other. This exhibition, curated by art historian Dorothea Apovnik, presents a selection of visionary architectural drawings, conceptual works and a sculptural model that reimagine spaces, structures, cities, as well as their communicative and perceptual possibilities. Coinciding with the landmark retrospective Hans Hollein. Transforms at the Centre Pompidou, Paris, the exhibition at Thaddaeus Ropac Paris Marais spans the 1960s, providing an intimate look into the pivotal early career of ‘the only architect whose works are kept in the art collections of both the Museum of Modern Art in New York and the Centre Pompidou in Paris, and the only artist to have won the Pritzker’ (Prof Liane Lefaivre, architectural historian and curator, 2001). The 1960s were a pivotal decade in Hans Hollein’s budding career. Studying architecture between Austria and the United States throughout the 1950s, Hollein returned to Vienna in the early 1960s, whereupon he became a key figure of the avant- garde. Hollein notably collaborated with artist Walter Pichler on a group of revolutionary architectural designs presented at the trailblazing Galerie nächst St. Stephan in Vienna in 1963. Opposing modernist functionalism, Hollein proclaimed the purposelessness of architecture, advocating for a ‘pure, absolute architecture’ in his accompanying manifesto. This exhibition proved critical, resulting in the acquisition of Hollein’s drawings and models by the Museum of Modern Art, New York. As Prof Eva Branscome writes, Hollein’s ‘‘artistic’ output was already highly collectible before he was known as an architect’ and, by the end of the decade, his works had integrated major public and private collections. "The concept of architecture as a spiritual order, the relationship between man, space and nature, the derivation of building from the cultic as well as the fascination for technology, vastness and space travel became Hollein’s themes, his programme and his vision." —Dorothea Apovnik, curator At the heart of this exhibition at Thaddaeus Ropac lies Hanging urban structure with traffic junction (1962/1963), a sculptural model that was first exhibited in Hollein’s historic show at Galerie nächst St. Stephan. A futuristic metal city rendered in a vocabulary of intersecting rectilinear forms seems to hover above a concrete plinth, its cantilevered wings jutting out overpoweringly. The work crystallises Hollein’s conception of cities as ‘manifestations of architectural will,’ writes curator Dorothea Apovnik. ‘They are intended to bundle and direct urban energy. The intersection is defined as the essence of the urban.’ Hollein sketched various versions of urban structures that he called Communication Interchange, which are also on display. His drawings of imbricated structures resemble blown-up assemblages of machine components that verge on the totemic. An avid technophile, Hollein was fascinated by the ever-increasing scale and complexity of machines, which he sought to transform into architecture per se. Hollein’s technomorphic edifices shed light on his experimentation with form, as well as his underpinning conceptualisation of architecture as a fundamental ‘medium of communication’ through which human beings expand themselves not only physically but also psychically. In his own words, ‘Today’s city is less a wall and tower than a machine of communication, a manifestation of the conquest and mastery of space and the connection of all humanity.’ Also on view are Hollein’s Non-physical Environment – Architektur aus der Pille (1967) works, which encapsulate the pioneeringly conceptual nature of his practice. Asserting that ‘architects have to stop thinking in terms of building,’ he strove to dematerialise the very notion of architecture in order to enhance its perceptual possibilities. In the Non-physical Environmental Control Kit (1967) to which several of the works on view belong, Hollein harnessed the power of psychoactive drugs to foster artificial spatialities through ‘different pills which create various desired environmental situations’. As Hollein stated, ‘I invented the “architecture pill”. At that time, pharmaceuticals were developed which overcome claustrophobia or agoraphobia, which allowed rooms to appear less threatening by enlarging or reducing them perceptually. I imagined that one might even be able to produce images of architecture with pills, and I exhibited pills that I named, for example, “Hagia Sophia”, “Sydney Opera” or “Stonehenge”.’ In one of the works on display, ‘Liebe ohne Furcht’ (‘Love without fear’) is typewritten beneath an ochre pill affixed to the paper support, while in another, a list of masterpieces including Picasso’s Les Demoiselles d’Avignon (1907) is inscribed beside a dotted line of red pills, suggesting that the drugs might kindle an affective or aesthetic experience. As Prof Branscome posits, Hollein saw the drug as ‘the ultimate environment in the creation of an architecture of oblivion, dream and contentment.’ Combining a compelling minimalist aesthetic with Duchampian wit and a Pop sensibility (a tiny pill even refers to ‘Wiener schnitzel with potatoes and mixed salad’), Hollein’s prescient conceptual artworks redefined architecture as fundamentally experiential. Hollein expanded the concept of architecture in every direction. For him, there was no separation between architecture, art and society. Architecture should no longer just create buildings and cities, but design the human environment in a comprehensive sense. To the same extent that space travel, television and the beginning of computer networking changed the experience of space and time, architecture was also to become the medium of a new understanding of the world orientated towards the body’s senses. Hollein perceived drawing not only as an architectural tool but also an artefact in itself. His remarkable artistry is exemplified by one of the earliest works presented, City (1960), in which an architectonic structure is filled with undulating penwork that seems to recede into abstraction. In numerous works on show, the line between art and architecture dissolves almost entirely. In one drawing, Hollein’s thick, inky brushwork oscillates between calligraphic art, abstract mark-making and an impression of the titular building, while in another, he overlays the outline of a city with expressionistic gestural sweeps of ink. The works on view in the exhibition, situated at a decisive period in Hollein’s early career that established him at the forefront of the avant-garde, highlight the multifaceted nature of his practice. ‘He shifts nimbly from one identity to another’, writes Prof Liane Lefaivre. ‘There is nothing arbitrary about this multiplicity.’ Across a diverse body of works, the exhibition reveals the extraordinary breadth of Hollein’s artistic practice, as well as his underpinning radical architectural vision. Hans Hollein (b. 1934, Vienna, d. 2014, Vienna) was an Austrian architect, designer, artist, theoretician, and teacher. He graduated from the Academy of Fine Arts Vienna in 1956, where he studied in Prof Clemens Holzmeister’s masterclass, before attending the Illinois Institute of Technology in Chicago in 1958–59, and completing his Master of Architecture at the College of Environmental Design, University of California, Berkeley in 1960. During his formative time in the United States, Hollein encountered the work of Ludwig Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright and Richard Buckminster Fuller, as well as Friedrich Kiesler, Rudolph M. Schindler and Richard Neutra. He also travelled extensively across the American Southwest, where he was deeply inspired by indigenous Pueblo architecture. Returning to Vienna, Hollein founded his own architectural office in 1964. His first realised project, the prominent Retti candle shop (1965), immediately garnered international critical acclaim, earning him the distinguished R. S. Reynolds Memorial Award. In the latter half of the 1960s, Hollein was editor of the Austrian avant-garde architecture magazine BAU, while also contributing to other national and international architectural journals. Teaching was an integral part of Hollein’s career: in the 1960s he was a guest professor at Washington University in St. Louis, as well as the Yale School of Architecture, New Haven, the University of California, Los Angeles and Ohio State University, Columbus. He was also a professor at the Academy of Arts in Düsseldorf from 1967 to 1976, before taking up teaching positions at the University of Applied Arts Vienna, where he notably headed the Department of Architecture between 1995 and 1999. Hollein’s lauded architectural oeuvre encompasses the Retti candle shop, Vienna (1964–65); Richard Feigen Gallery, New York (1967–69); Carl Friedrich von Siemens Foundation, Munich (1969–72); Media Lines – Olympic Village Munich (1971–72); Abteiberg Municipal Museum, Mönchengladbach, Germany (1972–82); Austrian Travel Agency (1976– 79); Glassware and Ceramic Museum Tehran (1977– 78); Frankfurt Museum of Modern Art (1982–91); Haas Haus, Vienna (1985–90); Vulcania – European Park of Volcanism, Saint-Ours-Les-Roches, France (1994–2002), among many others. He also won a competition with his design for a subterranean branch of the Guggenheim Museum in Salzburg, which never materialised, and placed second for the Walt Disney Concert Hall in Los Angeles. Hollein received numerous awards during his lifetime, including the prestigious Pritzker Architecture Prize in 1985. Hollein’s famous statement ‘everything is architecture’ also came to encompass his work as a designer of furniture, lamps, tableware, jewellery, as well as his sculptures, installations and opulent exhibition presentations, such as Dream and Reality. Vienna 1870–1930 (1985) at the Künstlerhaus, Vienna. His inaugural exhibition Mantransforms at the Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York (1974–76) became a historical milestone in the transformation of the museum from a place of a collection display into a total environment. In 1972, he represented Austria at the Venice Biennale with the installation Work and Behavior, Life and Death, Everyday Situations. Hollein’s works have been exhibited widely, including at the Museum of Modern Art, New York (1967); Centre Pompidou, Paris (1987); Museum of Modern Art (20er Haus), Vienna (1987); Nationalgalerie, Berlin (1988); Yurakucho Art Forum, Tokyo (1989); Neue Galerie Graz (2012); Museum Abteiberg, Mönchengladbach (2014); and MAK – Museum of Applied Arts, Vienna (2014). Hollein was the Director of the Sixth Architecture Biennale in Venice in 1996 and Austria’s commissioner for the Venice Art Biennale from 1978 to 1990, as well as for the Venice Biennale of Architecture from 1991 to 2000. Hollein’s drawings, sculptures, collages, models and design objects are held in major collections, including the Centre Pompidou, Paris; the Museum of Modern Art, New York; the Getty Museum, Los Angeles; the San Francisco Museum of Modern Art; and the MAK – Museum of Applied Arts, Vienna. ***** "J’ai toujours considéré l’architecture comme un art." —Hans Hollein (1934–2014) Cette exposition à la galerie Thaddaeus Ropac Paris Marais offre un aperçu exceptionnel de la pratique éminemment artistique de l’architecte, artiste, designer, théoricien et lauréat du prix Pritzker autrichien Hans Hollein. Déclarant que « tout est architecture », Hollein a fait œuvre de pionnier en élargissant le concept même d’architecture. Se fécondant mutuellement, son œuvre artistique et sa pratique architecturale sont inextricablement liées. Organisée sous le commissariat de l’historienne de l’art Dorothea Apovnik, cette exposition présente une sélection de dessins architecturaux, d’œuvres conceptuelles et d’une maquette sculpturale visionnaires qui réinventent les espaces, les structures et les villes, ainsi que leur potentiel de communication et de perception. Coïncidant avec la rétrospective historique Hans Hollein. Transforms au Centre Pompidou, Paris, l’exposition à Thaddaeus Ropac Paris Marais couvre les années 1960, offrant un regard intime sur le début de la carrière de « l’unique architecte dont les œuvres sont conservées à la fois dans les collections d’art du Musée d’art moderne de New York et du Centre Pompidou à Paris et le seul artiste à avoir remporté le Pritzker » (Liane Lefaivre, historienne de l’architecture et commissaire d’exposition, 2001). Les années 1960 ont été une décennie charnière dans la carrière bourgeonnante de Hollein. Après avoir étudié l’architecture entre l’Autriche et les États- Unis dans les années 1950, Hollein retourne à Vienne au début des années 1960, où il devient une figure de proue de l’avant-garde. Il collabore notamment avec l’artiste Walter Pichler sur un ensemble de projets architecturaux révolutionnaires présentés à la Galerie nächst St. Stephan à Vienne en 1963. S’opposant au fonctionnalisme moderniste, Hollein prône une « architecture pure et absolue » fondamentalement anti-fonctionnaliste dans son manifeste. Cette exposition s’est avérée cruciale et a conduit à l’acquisition des dessins et modèles de Hollein par le Museum of Modern Art de New York. Comme l’écrit Eva Branscome, « [sa] production “artistique” était déjà très prisée par les collectionneurs avant qu’il ne soit connu en tant qu’architecte » et, à la fin de la décennie, ses œuvres avaient déjà intégré d’importantes collections publiques et privées. "Le concept de l’architecture en tant qu’ordre spirituel, la relation entre l’homme, l’espace et la nature, la dérivation de la construction à partir du culte ainsi que la fascination pour la technologie, l’immensité et le voyage dans l’espace sont devenus les thèmes, le programme et la vision de Hollein." —Dorothea Apovnik, commissaire de l’exposition Au cœur de cette exposition à Thaddaeus Ropac se trouve Hanging urban structure with traffic junction (1962/1963), un modèle sculptural qui a été exposé pour la première fois lors de la présentation historique de Hollein à la Galerie nächst St. Stephan. Une ville futuriste en métal, réalisée dans un vocabulaire de formes rectilignes entrecroisées, semble planer au- dessus d’un socle en béton, ses ailes en porte-à-faux se déployant avec force. Cette œuvre cristallise sa conception des villes en tant que « manifestations de la volonté architecturale », écrit Dorothea Apovnik, commissaire de l’exposition. « Elles sont censées concentrer et diriger l’énergie urbaine. L’intersection est définie comme l’essence de l’urbain. » Hollein a esquissé plusieurs versions de constructions urbaines appelées Communication Interchange, qui sont également exposées. Ses dessins de structures imbriquées ressemblent à des assemblages agrandis de composants de machines qui frôlent le totémique. Fervent technophile, Hollein était fasciné par l’échelle et la complexité toujours croissantes des machines, qu’il tentait de transformer en architecture en soi. Ses édifices techno-morphiques mettent en exergue son expérimentation de la forme, ainsi que sa conceptualisation sous-jacente de l’architecture comme « médium de communication » à travers lequel les humains s’augmentent non seulement physiquement mais aussi psychiquement. Selon ses propres termes, « La ville d’aujourd’hui est moins un mur et une tour qu’une machine de communication, une manifestation de la conquête et de la maîtrise de l’espace et de la connexion de toute l’humanité. Dans l’une des œuvres exposées, « Liebe ohne Furcht » (« L’amour sans peur ») est dactylographié à la machine sous une pilule ocre fixée au support papier, tandis que dans une autre, une liste de chefs d’œuvre dont Les Demoiselles d’Avignon de Picasso (1907) est inscrite à côté d’une ligne pointillée de pilules rouges, suggérant qu’elles pourraient déclencher une expérience affective ou esthétique. Comme l’écrit Eva Branscome, Hollein considérait la drogue comme « l’environnement ultime pour la création d’une architecture de l’oubli, du rêve et du contentement ». Combinant une esthétique minimaliste avec un esprit duchampien et une sensibilité pop (une toute petite pilule désigne même un « Wiener schnitzel avec pommes de terre et salade mixte »), ces œuvres conceptuelles de Hollein ont redéfini l’architecture comme étant fondamentalement expérientielle. Hollein a élargi le concept d’architecture dans toutes les directions. Selon lui, il n’y avait pas de séparation entre l’architecture, l’art et la société. L’architecture ne devait plus seulement créer des bâtiments et des villes, mais concevoir l’environnement humain dans son ensemble. De même que le voyage dans l’espace, la télévision et le début du réseau informatique ont modifié l’expérience de l’espace et du temps, l’architecture est également devenue le support d’une nouvelle compréhension du monde orientée vers les sens du corps. Hollein percevait le dessin non seulement comme un outil architectural mais aussi comme un artefact en tant que tel. Sa maîtrise artistique est notamment illustrée par City (1960), dans lequel une structure architectonique est remplie de traits ondulants qui semblent se fondre dans l’abstraction. Dans de nombreuses œuvres exposées, la frontière entre l’art et l’architecture se dissout presque entièrement. Dans un dessin présenté, les coups de pinceau d’encre épais oscillent entre l’art calligraphique, des marques abstraites et une impression du bâtiment évoqué dans le titre de l’œuvre, tandis que dans un autre, Hollein recouvre l’esquisse d’une ville avec des gestes expressionnistes. Situées à une période décisive du début de la carrière de Hollein qui l’a établi à la pointe de l’avant-garde, les œuvres présentées dans l’exposition mettent en évidence les multiples facettes de sa pratique. « Il passe avec agilité d’une identité à l’autre », écrit Liane Lefaivre. « Cette multiplicité n’a rien d’arbitraire. » À travers un ensemble d’œuvres variées, l’exposition révèle l’extraordinaire étendue de la pratique artistique de Hollein, ainsi que sa vision radicale de l’architecture qui l’étaye. Hans Hollein (né en 1934 à Vienne et décédé en 2014 à Vienne) était un architecte, designer, artiste, théoricien et professeur autrichien. Il est diplômé de l’Académie des beaux-arts de Vienne en 1956, où il étudie sous le professeur Clemens Holzmeister, avant de fréquenter l’Illinois Institute of Technology à Chicago en 1958–59 et d’obtenir son master d’architecture au College of Environmental Design de l’université de Californie à Berkeley en 1960. Durant sa formation aux États-Unis, Hollein s’intéresse particulièrement aux travaux de Ludwig Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright et Richard Buckminster Fuller, ainsi que ceux de Friedrich Kiesler, Rudolph M. Schindler et Richard Neutra. Il est également profondément inspiré par l’architecture indigène Pueblo lors de ses nombreux voyages à travers le Sud-Ouest américain. De retour à Vienne, Hollein fonde son propre bureau d’architecture en 1964. Son premier projet, la boutique de bougies Retti (1965), est immédiatement salué par la critique internationale et lui vaut le R. S. Reynolds Memorial Award. Dans la seconde moitié des années 1960, Hollein est rédacteur du magazine autrichien d’architecture d’avant-garde BAU, et contribue à d’autres revues d’architecture nationales et internationales. L’enseignement fait partie intégrante de la carrière de Hollein : dans les années 1960, il est professeur invité à l’université de Washington à St. Louis, ainsi qu’à la Yale School of Architecture à New Haven, à l’université de Californie à Los Angeles et à l’université d’État de l’Ohio à Columbus. Il est également professeur à l’Académie des arts de Düsseldorf de 1967 à 1976, avant d’enseigner à l’Université des arts appliqués de Vienne, où il dirige notamment le département d’architecture entre 1995 et 1999. L’œuvre architecturale encensée de Hollein comprend la boutique de bougies Retti, à Vienne (1964–65) ; la galerie Richard Feigen, à New York (1967–69) ; la fondation Carl Friedrich von Siemens, à Munich (1969–72) ; Media Lines – Village olympique de Munich (1971–72) ; le Museum Abteiberg, à Mönchengladbach, en Allemagne (1972–82) ; Österreichisches Verkehrsbüro, à Vienne (1976–79) ; le Musée du verre et de la céramique de Téhéran (1977–78) ; Museum für Moderne Kunst, à Francfort (1982–91) ; Haas Haus, à Vienne (1985– 90) ; et Vulcania – Parc européen du volcanisme, à Saint-Ours-Les-Roches (1994–2002), parmi beaucoup d’autres. Hollein a également remporté un concours avec son projet d’antenne souterraine du musée Guggenheim de Salzbourg, qui ne s’est jamais concrétisé, et s’est classé deuxième pour le Walt Disney Concert Hall de Los Angeles. Hollein a reçu de nombreuses récompenses au cours de sa vie, dont le prestigieux prix d’architecture Pritzker en 1985. Sa célèbre déclaration « tout est architecture » englobe également son travail de créateur de mobilier, de lampes, de vaisselle et de bijoux, ainsi que ses sculptures, installations et présentations d’expositions opulentes, telles que Dream and Reality. Vienna 1870–1930 (1985) au Künstlerhaus de Vienne. Son exposition inaugurale Mantransforms (1974–76) au Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York est un jalon historique dans la transformation du musée d’un lieu d’exposition de collections en un environnement total. En 1972, il représente l’Autriche à la Biennale de Venise avec son installation Work and Behavior, Life and Death, Everyday Situations. Les œuvres de Hollein ont été largement exposées, notamment au Museum of Modern Art, à New York (1967) ; au Centre Pompidou, à Paris (1987) ; au Museum of Modern Art (20er Haus), à Vienne (1987) ; à la Nationalgalerie, à Berlin (1988) ; au Yurakucho Art Forum, à Tokyo (1989) ; à la Neue Galerie Graz (2012) ; au Museum Abteiberg, à Mönchengladbach (2014) ; et au MAK – Musée d’arts appliqués, à Vienne (2014). Hollein a été directeur de la sixième Biennale d’architecture de Venise en 1996 et commissaire autrichien pour la Biennale d’art de Venise de 1978 à 1990, ainsi que pour la Biennale d’architecture de Venise de 1991 à 2000. Les dessins, sculptures, collages, modèles et objets de design de Hollein sont conservés dans de grandes collections, notamment au Centre Pompidou, à Paris ; au Museum of Modern Art, à New York ; au Getty Museum, à Los Angeles ; au San Francisco Museum of Modern Art ; et au MAK – Musée d’arts appliqués, à Vienne.