Marais, Paris
Group Exhibition
Waiting Room
DerouillonJean Dubuffet Julian Farade Alex Foxton Orlan Vojtěch Kovařík [Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] The Waiting Room exhibition brings together new works by Julian Farade, Alex Foxton and Vojtěch Kovařík in dialogue with Jean Dubuffet and Orlan. Through different media, each work evokes the experience of waiting in a different way: anguish, a point of tension, imagination or opening onto inner limbo, reinforced by a use of color that supports the strangeness of the suspended moment. The chairs sculpted by Julian Farade climb the walls and refuse to welcome anyone onto their seats. As if caught in a distorting mirror, these sculptures remind us of the sentimental relationships we have with objects, onto which we project a part of ourselves. They are beings in their own right, who Farade calls Patients , each seemingly awaiting a diagnosis or comforting words to break the wait. With shifting limbs and minds, each Patient lets us see their inner torments, the sense of solitude expressed in this suspended time reinforced by the clinical whiteness of the white-cube walls. On the surface of their skin, we read the expression of a strong personality: some with bristly velvet, soft but agitated in appearance, others with twisted legs or a disturbingly relaxed attitude. Farade assigns a place of its own to his sculptural practice, which now exists independently. The velvet that in his recent series served as a background for the paint now swells in three dimensions and emancipates itself from the frame, the soft-sculptures no longer interact solely with canvases. He works the material like his drawing line, spontaneous and direct, seeking to weave a return to the sensitive, and thus to think with Annie Le Brun that “poetry begins with the non-lie”. The three men facing us, stoically standing, are reminiscent of a military corps, the young captives in Pasolini’s Salò , and the models in Raf Simons’ Kraftwerk- inspired “Radioactivity” collection (Autumn/Winter 1998). These multiple references come together in Alex Foxton ’s painting to focus on what they have in common: young, controlled bodies with a strict look, their red shirts incised by a long black tie. Here, Foxton uses a positive-negative approach to color, concentrating its efects and arresting our gaze on these bodies that threaten us as a single block. This limited choice of colors is as narrow as contemporary Western men’s clothing, which since the 19th century has been reduced to the “black uniform”, a consecrated form of dress in the face of the supposed frivolity of women’s colorful outfts. Foxton assumes his taste and knowledge of the masculine suit, to which he devoted several years as a designer, and puts this fgure of masculinity into perspective at a time when it is being overperformed and reduced to its most classic and rigorous codes. Group compositions are also increasingly present in Alex Foxton’s work. While the artist’s attention is always focused on the physical body, today he approaches it more in terms of its relationship to the group, the way it is shaped by various social and political infuences. These three anonymous fgures, whose boundaries are difcult to discern, seem to form a single entity. They are answered by a Saint Sebastian whose vivid charcoal lines counteract the eternal expectation of the bound young martyr, riddled with arrows and erotic projections. As if the codes of masculinity could not escape their patriarchal demonstration of violence and control. Vojtěch Kovařík is dedicated to deconstructing all that is authoritative, dismantling grand narratives and their heroes, leaving traces of individual mythology and giving them new relevance. He draws inspiration from the strategies of National Socialist art, replacing glorious workers with a pantheon of Greek gods confned within frames too narrow to contain the weight of their own symbolism. Fascinated by the allegorical power of myths, he detects in them the great tensions of our time: the quest for identity, social metamorphosis, ecological crisis, the struggle for freedom. In Pilgrimage , presented in the exhibition, he paints a massive, red face, modeled in sand and acrylic—a hero stopped in mid-transition, traversed by doubts. The pilgrimage he embodies is an inner quest. Myth here becomes a cathartic and refective tool, a way of reading through our contemporary chaos, perhaps with the promise of a metamorphosis. Produced towards the end of Jean Dubufet ’s life, between 1981 and 1982, the Psycho-sites series marks a turning point: 500 works in one year, with an urgency of execution that extends the collages and assemblages of the Théâtres de mémoire and moves him towards the abstraction of the Non-lieux . These ambiguous compositions, saturated with raw colors and schematic fgures partitioned between thick lines, evoke mental places. Dubufet no longer seeks to represent: he projects an inner experience, a state. The place becomes “psycho”, no longer geographical but psychic. In Waiting Room, Dubufet’s intimate work questions our way of seeing, understanding and inhabiting the world: “All these small paintings are based on the conviction that there is no reason to diferentiate between a site claimed to be real and a mere fantasy, since everything we think we see is always and in any case arbitrarily the production of the mind.” (J.D May 1982). Omniprésence , Orlan ’s operation carried out in New York on November 21, 1993, is probably the most ambitious performance of its kind. The artist met with surgeon Dr. Marjorie Cramer, who unreservedly accepted the artistic and feminist aims of her project: the radical transformation of her face through implants in the cheeks and temples. Orlan’s request to this doctor was to divert plastic surgery from its usual objectives, and help her to question the standards of beauty that plastic surgery usually seeks to perpetuate. In addition to the photos of the performance, Orlan has produced a whole series of portraits. In two of the photographic portraits in the series Ceci est mon corps...ceci est mon logiciel , Orlan poses coquettishly, covered in bruises. The artist’s frontal, swollen face is framed very closely, capturing every trace of the operation. Her proud, almost hieratic pose seems to assert transformation as a sovereign, assertive and powerfully political act. ***** L’exposition Waiting Room réunit de nouvelles œuvres de Julian Farade, Alex Foxton et Vojtěch Kovařík en dialogue avec Jean Dubuffet et Orlan. A travers différents médiums, chaque œuvre évoque différemment l’expérience de l’attente : angoisse, point de tension, d’imagination ou ouvrant sur des limbes intérieures, renforcée par un usage de la couleur qui appuie l’étrangeté du moment suspendu. Les chaises sculptées par Julian Farade grimpent sur les murs et à accueillir quiconque sur leur siège. Comme prises dans un miroir déformant, ces sculptures nous renvoient aux relations sentimentales que nous entretenons avec des objets et sur lesquels nous projetons une partie de nous-mêmes. Elles sont des êtres à part entière que Farade nomme Patients, chacune semblant attendre un diagnostic ou des mots réconfortants qui viendraient briser l’attente. Aux membres et à l’esprit mouvants, chaque Patient nous laisse voir ses tourments intérieurs, le sentiment de solitude qui s’exprime dans ce temps suspendu renforcé par le blanc clinique des murs du white cube. On lit à la surface de leur peau l’expression d’une forte personnalité : certaines au velours hérissé, d’apparence douce mais agitée, d’autres aux jambes tordues ou à la décontraction troublante. Farade accorde une place à part entière à sa pratique sculpturale qui existe désormais de manière autonome. Le velours qui dans ses récentes séries servait de fond à la peinture se gonfle en trois dimensions et s’émancipe du cadre du châssis, les soft-sculptures ne dialoguent plus uniquement avec des toiles. Il travaille la matière comme sa ligne de dessin, spontanée et directe, cherchant à tisser un retour au sensible et ainsi penser avec Annie Le Brun que “la poésie commence avec le non-mensonge”. Les trois hommes qui nous font face, debout, stoïques, convoquent autant un corps d’armée, les jeunes captifs du Salò de Pasolini que les mannequins de la collection “Radioactivity” (Automne/hiver 1998) de Raf Simons, inspirée par Kraftwerk. Ces multiples références se conjuguent dans la peinture d’Alex Foxton pour se concentrer sur ce qu’elles ont en commun : des corps jeunes et contrôlés, à l’allure stricte, dont la chemise rouge est incisée par une longue cravate noire. Foxton aborde ici la couleur en positif-négatif pour en concentrer ses effets et arrêter notre regard sur ces corps qui nous menacent d’un bloc. Ce choix limité de couleurs l’est autant que celui de l’habit masculin occidental contemporain, réduit depuis le XIXe siècle à “l’habit noir” consacré alors face à la frivolité supposée des tenues colorées des femmes. Foxton assume son goût et sa connaissance du costume masculin auquel il a consacré plusieurs années en tant que designer et met en perspective cette figure de la masculinité à l’heure où elle est surperformée et ramenée à ses codes les plus classiques et rigoureux. Les compositions de groupe sont également de plus en plus présentes dans les compositions d’Alex Foxton. Si l’artiste porte toujours une attention primordiale au corps physique, il l’aborde aujourd’hui davantage dans son rapport au groupe, à la façon dont il est modelé par les diverses infuences sociales et politiques. Ces trois figures anonymes, dont il est difficile de discerner les limites, ne semblent en former plus qu’une. Leur répond un Saint Sébastien dont les lignes vivement tracées au fusain contrecarrent l’attente éternelle du jeune martyr ligoté, criblé de flèches et de projections érotiques. Comme si les codes de la masculinité ne pouvaient échapper à leur démonstration patriarcale de violence et de contrôle. Vojtěch Kovařík se consacre à la déconstruction de tout ce qui fait autorité, au démantèlement des grands récits et de leurs héros, en laissant des traces de mythologie individuelle et en leur donnant une nouvelle pertinence. Il s’inspire des stratégies de l’art national-socialiste, remplaçant les glorieux travailleurs par un panthéon de dieux grecs confinés dans des cadres trop étroits pour contenir le poids de leur propre symbolisme. Fasciné par la puissance allégorique des mythes, il y décèle les grandes tensions de notre époque : quête d’identité, métamorphoses sociales, crise écologique, lutte pour la liberté. Avec Pilgrimage, présenté dans l’exposition, il peint un visage massif, rouge, modelé de sable et d’acrylique – un héros arrêté en pleine transition, traversé de doutes. Le pèlerinage qu’il incarne est une quête intérieure. Le mythe devient ici un outil cathartique et de réflexion, une manière de lire à travers notre chaos contemporain avec peut-être la promesse d’une métamorphose. Réalisée vers la fin de la vie de Jean Dubuffet entre 1981 et 1982, la série des Psycho-sites marque un tournant : 500 œuvres en un an, dans une urgence d’exécution qui prolonge les collages et assemblages des Théâtres de mémoire et le fait basculer vers l’abstraction des Non-lieux. Ces compositions ambiguës, saturées de couleurs crues et de figures schématiques cloisonnées entre les lignes épaisses, évoquent des lieux mentaux. Dubuffet ne cherche plus à représenter : il projette une expérience intérieure, un état. Le lieu devient “psycho”, non plus géographique mais psychique. Dans l’exposition Waiting Room, l’œuvre intime de Dubuffet questionne notre manière de voir, de comprendre et d’habiter le monde : “Toutes ces petites peintures en effet prennent appui dans la conviction qu’il n’y a pas lieu de faire différence entre un site prétendu réel et un simple fantasme, tout ce que nous croyons voir étant toujours et en tout cas arbitraire production de l’esprit.“ (J.D mai 1982). Omniprésence, opération d’Orlan réalisée à New York le 21 novembre 1993, est probablement la performance la plus ambitieuse du genre. L’artiste a rencontré le docteur Marjorie Cramer, une chirurgienne, qui a accepté sans réserves les objectifs artistiques et féministes de son projet : la transformation radicale de son visage par des implants au niveau des joues et des tempes. Ce que demande Orlan à ce médecin, c’est de détourner la chirurgie esthétique de ses objectifs usuels et de l’aider à remettre en cause les normes de la beauté que cette chirurgie s’emploie d’ordinaire à perpétuer. Outre les photos de la performance, Orlan a réalisé toute une série de portraits. Sur deux des portraits photographiques de la série Ceci est mon corps...ceci est mon logiciel, c’est une Orlan couverte de bleus qui pose avec coquetterie. Le visage frontal et tuméfé de l’artiste est cadré de très près, captant chaque trace de l’opération. Sa pose fière, presque hiératique, semble revendiquer la transformation comme acte souverain, assumé, et puissamment politique.