Die Welt und Die Spiegel

[Please scroll down for German version / Für Deutsch bitte scrollen Sie nach unten] For five decades, Timm Rautert has shaped how we perceive photography, exploring its possibilities and limits. His series Bildanalytische Photographie ("Image-Analytical Photography"), begun in 1968, is considered groundbreaking for its radical exploration of the medium's fundamental grammar. Early on, Rautert moved away from the notion of photography as solely mimetic, revealing the medium's inherent ability to construct reality. His first solo exhibition at Galerie Nordenhake – and his first in Berlin – presents the important German photographer in a more comprehensive manner, featuring two current series, an installation, and several key works from the 1970s. In Weltraum ("Space", 2014/2015) the depicted architecture emerges as the main protagonist. Rautert's photographs allow us to wander through a building devoid of people, past conference halls and meeting rooms that range from opulent to austere, as well as monumental staircases. At the same time, we encounter a site of changing significance: the current headquarters of the United Nations' Food and Agriculture Organization (FAO) in Rome was originally designed as the Italian colonial administration building. Construction stopped when Italy entered World War II and only resumed in the 1950s, now as the FAO headquarters. With Weltraum, the artist explores not only the complex history of this historically charged building but also the strategies of self-representation embedded in its architecture. Constructed in a fascist style, the various rooms were decorated individually by the member states of the UN's oldest and largest organization. By documenting these national stagings, Rautert also makes a fundamental statement about the nature of photography: as in his Image-Analytical Photography series, he demonstrates how reality is shaped and conveyed through photographic means. In doing so, he engages with the reflection on the construction of nations, history, and identity as a theme inherent to the medium itself. In the series Manhattan Mirror (2012), architecture again becomes the key presence. People appear, but never at the center of the composition, rendering them symbols of bustling urban life. Rautert shows the city through its reflections: the skyscrapers of New York, a metropolis that played an early and central role in the artist's work, become collaged fragments of an opaque, alienated city. This perspective also invites critical readings of urban change. The images are grouped and, in some cases, displayed with mirrors and artificial stones on shelves, creating a dialogue between the depicted architecture and the viewers themselves. The installation Vier Spiegel und ein Stein ("Four Mirrors and a Stone", 2024) consists of a single stone positioned at the center of the room, surrounded by four mirrors and their reflections. While the stone appears in the real mirrors, it vanishes in the photographs. The surfaces of the photographed mirrors appear as uniform, monochrome surfaces, incapable of reflecting the world. The installation references a quote from Malcolm Lowry's novel Under the Volcano: "He would have been glad of a mirror to ask himself that question. But here was no mirror. Nothing but stone." Like in Manhattan Mirror, Rautert creates a striking, almost poststructuralist juxtaposition of the signified and the signifier, between what is constructed and its origin, rethinking photography as a mediator between these categories. Early on, in his Image-Analytical Photography (1968–1974) and the partially exhibited series Deutsche in Uniform ("Germans in Uniform", 1974) – where he portrays different professional groups in their uniforms – Rautert understands photography as an intellectual process. It interrogates the relationship between the depicted and reality while simultaneously making critical statements about our present. The power of Rautert's photography lies in its ability to reveal reality's fractured reflections, always resisting a final, conclusive truth. Timm Rautert was born in 1941 in Tuchel, West Prussia. He lives and works in Essen and Berlin. From 1993 to 2008, he was a professor of photography at the Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Since the 1970s, Rautert has worked alongside his artistic practice as a photojournalist and has exhibited his works internationally in museums and galleries. In 2008, he was awarded the Lovis Corinth Prize. A major retrospective of his work was presented in 2021 at the Museum Folkwang in Essen and in 2023 at the Bombas Centre d’Arts in Valencia, Spain. His series Leipzig 1972, created in collaboration with Ute Eskildsen, is currently on view at the Museum Grassi in Leipzig. Among his most recent solo exhibitions are: Haus für Fotografie, Prague (2018); Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2016); Kunsthalle im Lipsiusbau, Dresden (2014 with former students); Museum für Photographie, Braunschweig (with Adrian Sauer) and Kunsthaus Essen (both 2011); Sprengel Museum, Hanover (2007); and the Museum of Fine Arts, Leipzig (2006). He has participated in group exhibitions, including at Kunstpalast Düsseldorf (2024); Pinakothek der Moderne, Munich; Harvard Art Museums, Cambridge (both 2023); Kunsthalle Düsseldorf; Fondazione MAST, Bologna (both 2020); Victoria & Albert Museum, London (2016); Centre Pompidou, Paris (2015); Tate Modern, London (2008); Fotomuseum Winterthur (2001); and Kunsthaus Zürich (1990). His works are held in major international collections, including the Berlinische Galerie, Berlin; Museum Folkwang, Essen; Centre Pompidou, Paris; MMK Frankfurt am Main; MoMA, New York; Museum of Fine Arts, Leipzig; Staatliche Kunstsammlungen Dresden; Harvard Art Museums, Cambridge (MA); Art Institute of Chicago; Getty Museum, Los Angeles; San Francisco MoMA; and the Victoria & Albert Museum, London. ***** Seit fünf Jahrzehnten prägt Timm Rautert den Blick auf Fotografie und ihre Möglichkeiten und Grenzen. Seine 1968 begonnene und längst als wegweisend verstandene Serie Bildanalytische Photographie gilt als radikale Auseinandersetzung mit der grundlegenden Grammatik des Mediums. Rautert löste sich früh von der Vorstellung der Fotografie als rein realitätsabbildende Praxis und ermöglichte so eine Sichtbarmachung von Inszenierungen. Seine erste Einzelausstellung in der Galerie Nordenhake und seine zugleich erste in Berlin stellt den bedeutenden deutschen Fotografen mit zwei aktuellen Serien und einer Rauminstallation sowie einigen zentralen Arbeiten aus den 1970ern umfassender vor. In der Serie Weltraum (2014/2015) macht Rautert den Raum selbst zum Protagonisten. Seine Fotografien lassen uns durch ein Gebäude ohne Menschen streifen, vorbei an opulenten bis nüchternen Konferenzsälen und Besprechungsräumen sowie monumentalen Treppenaufgängen. Zugleich blicken wir auf einen Ort wechselvoller Bedeutung: Der heutige Sitz der Ernährungs- und Landwirtschaftsorganisation (FAO) der UN in Rom war ursprünglich als italienische Kolonialverwaltung konzipiert. Mit dem Eintritt Italiens in den Zweiten Weltkrieg wurde der Bau unterbrochen, um in den 1950er-Jahren, nun als Sitz der FAO, fertiggestellt zu werden. Der Künstler macht mit Weltraum nicht nur die widersprüchliche Geschichte des historisch aufgeladenen Gebäudes zum Thema, sondern auch die in der Architektur angelegten Strategien der Selbstdarstellung. In faschistischer Bauweise errichtet, wurden die einzelnen Räume später von den Mitgliedstaaten der ältesten und größten Sonderorganisation der UN individuell ausgestaltet. Durch die Dokumentation dieser nationalen Inszenierungen trifft Rautert auch eine grundlegende Aussage über den Charakter der Fotografie: Wie schon in seinen bildanalytischen Arbeiten zeigt er, wie Realität durch fotografische Mittel geformt und vermittelt wird. Er verhandelt so die Reflexion über die Konstruktion von Nationen, Geschichte und Identität als ein dem Medium inhärentes Thema. In der Serie Manhattan Mirror (2012) wird die Architektur ebenfalls zum zentralen Akteur. Menschen sind sichtbar, jedoch niemals im Zentrum der Darstellung, wodurch sie wie Symbole großstädtischer Geschäftigkeit wirken. Rautert zeigt die Stadt durch ihre Reflexionen: Die Wolkenkratzer von New York, jener Metropole, die schon früh eine zentrale Rolle im Schaffen des Künstlers einnahm, werden zu collagierten Versatzstücken einer opaken, entfremdeten Stadt. Diese Perspektive eröffnet auch kritische Interpretationen urbaner Veränderungen. Die Bilder sind gruppiert und teilweise mit Spiegeln und Kunststeinen auf Regalen angeordnet, und stellen so einen Rückbezug auf die dargestellte Architektur und die Betrachtenden her. Die Installation Vier Spiegel und ein Stein (2024) besteht aus einem einzelnen Stein, der in der Raummitte positioniert und von vier Spiegeln und ihren Abbildungen umgeben wird. Während der Stein in den realen Spiegeln erscheint, verschwindet er auf den Fotos. Die Oberfläche der fotografierten Spiegel wirkt wie eine gleichmäßige, monochrome Fläche, die es nicht vermag, die Welt zu reflektieren. Die Installation nimmt Bezug auf ein Zitat aus Malcolm Lowrys Roman Unter dem Vulkan: „Er hätte gerne einen Spiegel gehabt, um sich diese Frage zu stellen. Aber hier war kein Spiegel. Nichts als Stein.“ Wie auch schon in Manhattan Mirror schafft Rautert eine spannungsreiche, fast poststrukturalistische Gegenüberstellung des Dargestellten mit dem Darstellenden, dem Konstrukt und dem Konstruierenden, um die Fotografie als Vermittlerin zwischen diesen Kategorien zu denken. Schon in der frühen Bildanalytische Photographie (1968–1974) oder der in Auszügen ausgestellten Serie Deutsche in Uniform (1974), in der er verschiedene Berufsgruppen in ihrer identitätsstiftenden Kleidung darstellt, ist die Fotografie für Rautert ein intellektueller Vorgang. Sie befragt das Verhältnis zwischen Dargestelltem und Realität und macht doch kritische Aussagen über unsere Gegenwart. Die Faszination von Rauterts Arbeit liegt in der Vielfalt, mit der er die Spiegelungen fragmentarischer Realität sichtbar macht, ohne jemals zu einer einzelnen, abschließenden Wahrheit zu gelangen. Timm Rautert wurde 1941 in Tuchel, Westpreußen, geboren. Er lebt und arbeitet in Essen und Berlin. Von 1993 bis 2008 war er Professor für Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig. Seit den 1970er Jahren arbeitete Rautert neben seiner künstlerischen Praxis auch als Fotojournalist und stellte seine Werke international in Museen und Galerien aus. 2008 wurde Rautert mit dem Lovis- Corinth-Preis ausgezeichnet. Eine große Retrospektive seines Schaffens war 2021 im Museum Folkwang in Essen und 2023 im Bombas Centre d’Arts in Valencia zu sehen. Seine Serie Leipzig 1972, die in Zusammenarbeit mit Ute Eskildsen entstand, ist derzeit im Museum Grassi in Leipzig zu sehen. Zu seinen jüngsten Einzelausstellungen zählen: Haus für Fotografie, Prag (2018); Staatliche Kunstsammlungen Dresden (2016); Kunsthalle im Lipsiusbau, Dresden (2014 zusammen mit ehemaligen Student:innen); Museum für Photographie, Braunschweig (zusammen mit Adrian Sauer) und Kunsthaus Essen (beide 2011); Sprengel Museum, Hannover (2007); sowie das Museum der bildenden Künste, Leipzig (2006). Er nahm an Gruppenausstellungen teil u. a. im Kunstpalast, Düsseldorf (2024); Pinakothek der Moderne, München; Harvard

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