Half Empty, Half Full

[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] Almine Rech Paris, Turenne is pleased to present Half Empty, Half Full, Jose Dávila's first solo exhibition with the gallery. "My body is the pivot of the world." This is how French philosopher Maurice Merleau-Ponty expressed the relative nature of thought, which is inextricably linked to our experience. From this gray area of subjectivity emerge countless possibilities held by objects once they have become the mirror of our perception. This is exactly what we find throughout the work of Jose Dávila, whose sculptures, paintings, and environments seek less to be seen than to sharpen the act of seeing by revealing the contextual dimension of the elements composing them. The artist’s titles are enigmatic and sometimes tinged with humor, already invoking the polysemy that is inseparable from reality with its inherent contradictions. This exhibition is about measure, with its title, Half Empty, Half Full, embodying an irresolvable statement making it possible for two opposites to coexist. Indeed, ambiguity infuses all of the artist’s work, which is entirely concerned with tensions and imbalances, as his oeuvre is constructed around the idea of gravity. In his rocky totems or sturdy industrial structures with their shaky connections, the eye is naturally drawn to the negative spaces carved out by the materials, leading to mental pictures of falling and collapse. Yet something here moves beyond this dialectical opposition of forces, something the artist describes as an “expansion of the range of possibilities." Movement comes from friction: Jose Dávila recalls this constantly through his combinations of forces and materials that appear to be contradictory—the natural and the industrial, the full and the empty—whose ceaseless dialogue acts, in his words, as "an initiator of emotions" eluding any fixed signifiers. Trained as an architect, the artist visited many construction sites during his youth so that he could closely observe the processes at work. "Construction sites are the best places to appreciate sculpture," he says, fascinated by the constant quest for balance taking place there. So it is not a coincidence that his work calls on a range of elements from the world of construction (metal beams, glass panels, concrete), whose sparseness is combined with the organicity of natural materials (mainly stone). Memory is fully involved in this work of reclaiming, whether it is personal memory or historical memory. An avid reader of artists’ memoirs, Jose Dávila includes direct or indirect allusions to art history in his work, sometimes creating a dizzying sense of artworks within artworks. Primarily evoking the compositions of Hilma af Klint, his series of hypnotic paintings of circles defined with smooth strips of color also suggests Nietzsche’s eternal return through its title (The fact of constantly returning to the same point or situation). This fertile motif leads each viewer to peel away its various layers according to their own sensibility. Similarly, Dávila’s sculpture A secret wish, a thin metal plate with several Acapulco chair frames, incorporates narratives around the idea of originality, as there have been longstanding debates about the inventor of this iconic design, which was never trademarked. The artist subtly takes hold of all these references in order to blur the boundaries between different planes of reality—between his own work and that of others—and thus claim its collective belonging. Indeed, the relational aspect is primary in Jose Dávila’s work, and through endless viewpoints he evokes the invisible framework of reality and the tenuous connections it maintains with its material manifestation. And this is true even of the raw materials of his sculptures, which acquire a new kind of existence simply by coming together. The artist is aware of the ability of these sculptural elements to be reabsorbed into daily life and to exist as artworks only through a network of relationships: "For this reason I act minimally on the materials that I use," he explains. This itself reveals the intimate interconnections between the processes of degeneration and regeneration that structure the world, as summed up in Heraclitus’ famous maxim, "everything flows." Such terms resonate with particular intensity in a globalized world in perpetual flux. The artist crystallizes our world’s imperceptible systems of relationships and silent dynamics. He sometimes does this more allusively, for instance in Joint Effort, where various objects placed on a base are linked by a black strap. How are these elements interdependent? Are they helping each other? Collaborating? Do they embody the power of the collective? There are no definite or definitive answers to these questions put forth by the artist. In fact, it is this polyphonic dimension of interpreting reality that interests Jose Dávila, whose work is voluntarily situated in an in-between zone, shifting between sturdiness and lightness, within and without, spare lines and organicity. In this regard, the artist has been influenced by Josef Albers, whose theory of colors grants the viewer a central role, placing them at the heart of the aesthetic experience. "Any perception of color is an illusion: we don’t see colors the way they really are," the German painter stated, thus reaffirming the artwork as a tool for stimulating awareness. This leads to a crucial question: how do we see? Jose Dávila asks this question in terms of color and composition, but especially in terms of space. These sculptures’ very presence reevaluates our relationship to matter and the void by revealing elusive forces. Our bodies themselves take note of this, gripped by a kind of stiffening as we view this gulf containing the hypothesis of collapse. In this way, the gap between the artwork and the viewer is blurred, as the viewer is called on to experience their own subjectivity. This is a meditative invitation to fully inhabit one’s sight and to perceive space, color, and shape no longer as windows onto the world, but as catalysts of experiences that are deeply revealing of our humanity. —Alison Moss, Editor-in-Chief of Le Quotidien de l'Art ***** Almine Rech Paris, Turenne a le plaisir de présenter Half Empty, Half Full, la première exposition personnelle de Jose Dávila à la galerie. « Mon corps est le pivot du monde ». Ainsi formulait Maurice Merleau-Ponty la dimension relative de la pensée et son indissociabilité de notre expérience. De cette zone d’ombre propre à la subjectivité jaillissent toutefois d’innombrables possibles : ceux que recèlent les objets lorsqu’ils se font le miroir de notre perception. C’est précisément là l’enjeu de toute l’œuvre de Jose Dávila, dont les sculptures, peintures et environnements cherchent moins à être regardés qu’à aiguiser le regard, en révélant la dimension contextuelle des éléments qui les composent. Énigmatiques – parfois teintés d’humour – les titres empruntés par l’artiste soulèvent à eux seuls la polysémie propre au réel et les contradictions qui lui sont inhérentes. Il est, dans cette exposition intitulée Half Empty, Half Full, question de mesure, de verre à moitié vide ou à moitié plein – une thèse insoluble permettant de faire cohabiter deux contraires. L’ambigüité infuse en effet l’ensemble du corpus de l’artiste, tout entier habité de tensions et de déséquilibres, son œuvre étant axée autour de la question de la gravité. Dans ses totems rocheux ou ses robustes structures industrielles aux jonctions vacillantes, l’œil se porte naturellement sur les espaces creusés en négatif par les matériaux, dans lesquels se joue mentalement l’idée de la chute et de l’effondrement. Une opposition dialectique des forces dont naît un dépassement, que le plasticien décrit comme un « élargissement du registre des possibilités ». De la friction naît le mouvement : Jose Dávila le rappelle sans cesse à travers son alliance de forces et de matériaux en apparence antinomiques – le naturel et l’industriel, le vide et le plein – dont le dialogue incessant agit, dans ses termes, comme « un déclencheur d’émotions » se dérobant à tout signifiant fixe. Architecte de formation, l’artiste a visité durant sa jeunesse de nombreux chantiers afin d’observer attentivement les processus qui s’y déployaient. « Les lieux de construction sont le meilleur endroit pour apprécier la sculpture », affirme-t-il, fasciné par la constante quête d’équilibre qui s’y met en scène. Nul hasard, donc, que son œuvre fasse appel à pléthore d’éléments issus de l’univers de la construction (poutres métalliques, panneaux de verre, béton) dont l’austérité est mariée à l’organicité de matériaux naturels (principalement la pierre). La mémoire est pleinement convoquée dans ce travail de récupération, qu’il s’agisse de celle véhiculée par la petite ou par la grande histoire. Lecteur avide de mémoires d'artistes, Jose Dávila insère dans ses œuvres des allusions plus ou moins explicites à l’histoire de l’art, donnant parfois lieu à une vertigineuse mise en abîme de références. Évocatrice tout d’abord des compositions d’Hilma Af Klint, sa série de peintures hypnotiques figurant des cercles délimités en pans de couleurs lisses, suggère également l’éternel retour nietzschéen à travers son titre (The fact of constantly returning to the same point or situation). Un motif fécond dont il revient à chacun d’éplucher les différentes strates, en fonction de ses sensibilités. De même, sa sculpture A secret wish, fine plaque métallique rehaussée de plusieurs châssis de fauteuils Acapulco, télescope des récits centrés autour de la notion d’originalité – la pièce de mobilier phare ayant fait l’objet de longs débats autour de sa paternité, faute de brevet. Autant de références dont l’artiste s’empare subtilement afin de brouiller les repères entre les différents plans de réalité – ici son œuvre et celle des autres – et en revendiquer ainsi l’appartenance collective. La dimension relationnelle prime en effet chez Jose Dávila, qui évoque, sous mille et un prismes, la trame invisible du réel et les liens ténus qu’elle entretient à sa manifestation matérielle. Et ce jusqu’à dans les matériaux bruts de ses sculptures, dont la simple conjonction leur confère une nouvelle modalité d’existence. Car l’artiste apprécie la capacité de ces éléments sculpturaux à se réabsorber dans le quotidien et à n’exister en tant qu’œuvre qu’à travers un faisceau de relations : « J’interviens pour cela de manière minimale sur les matériaux que je prélève », confie-t-il. Se dévoile par là-même l’intime interconnexion entre les processus de dégénérescence et de régénérescence qui structurent le monde, tels que résumés par la célèbre maxime héraclitéenne « Tout s’écoule ». De tels termes résonnent avec une intensité particulière dans un monde globalisé et en perpétuel flux, dont l’artiste cristallise ainsi les systèmes de relation imperceptibles et les dynamiques silencieuses. Il s'y emploie quelques fois de manière plus allusive, par exemple dans sa pièce Joint Effort, où différents objets posés sur un socle sont reliés par une courroie noire. Sous quel prétexte ces éléments sont-ils interdépendants ? Est-il question d'entraide ? De collaboration ? De pouvoir du collectif ? Face aux interrogations tendues par l’artiste, les réponses ne sont ni univoques ni définitives. C’est en effet la dimension polyphonique et interprétative du réel qui intéresse Jose Dávila, dont l’œuvre se situe volontairement dans un entre-deux, basculant entre robustesse et légèreté, dedans et dehors, épure et organicité. L’artiste se réclame à ce titre héritier de la pensée de Josef Albers, dont la théorie des couleurs accorde au regardeur un rôle central, en le plaçant au cœur de l’expérience esthétique. « Toute perception de la couleur est une illusion : nous ne voyons pas les couleurs telles qu'elles sont réellement », soutenait le peintre allemand, réaffirmant ainsi l’œuvre comme un outil d’éveil de la conscience. Se pose alors une question cruciale : comment regarde-t-on ? Cette interrogation, Jose Dávila la formule également sur le plan de la couleur et de la composition, mais surtout de l’espace. La seule présence de ses sculptures réévalue notre rapport à la matière et au vide en en dévoilant les forces insaisissables. Nos corps mêmes en prennent acte, retranchés dans une forme de raidissement face à cette béance dans laquelle est contenue l’hypothèse de l’écroulement. S'estompe ainsi l'écart entre l'œuvre et le spectateur, ici entièrement convoqué par l’expérience de sa propre subjectivité. Une invitation méditative à habiter pleinement son regard et à appréhender l’espace, la couleur et la forme, non plus en tant que fenêtres sur le monde, mais en tant que catalyseurs d’expériences profondément révélatrices de notre humanité. —Alison Moss, Rédactrice en chef du Quotidien de l'Art

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