Belleville, Paris
Marina De Caro
Movimientos para guiar el desconcierto
In Situ - Fabienne Leclerc[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] “I think with the body, I draw with the body, my hands have eyes that spit out lines, forms, strings and relationships; the images that come out of my hands imagine themselves. My body kneads the world.”* Marina De Caro is an Argentine plastic artists from Buenos Aires, one of the most influential Latin American artist of her generation. She inhabits the world as a painter, illustrator, dancer, knitter, pedagogue, performer… She constantly reinvents space, she amplifies it through unknown gestures, freeing it from petrified geometries. She pushes back the limits of the expected to give what vibrates, invigorates, what surprises the norm, habits, the conventional, existence, what disconcerts. The “desconcierto” is at the heart of her first large-scale exhibition in a French gallery, the In Situ-Fabienne Leclerc gallery. The verb disconcert exists in French and English but the noun is not as fertile as in Spanish. “I want to give the space of this word to the French language,” says Marina De Caro, because this word is, and has always been, the beating heart of her practice and her life. She tackles existence, objects, materials, situations with a primary amazement, a philosophical amazement through the body: a desconcierto that disorientes conventions and initializes roads that will perhaps lead nowhere but that contain in them the energy of movement, of departure. There is no need for a discovery for the path to take on value, no need for a competion to evaluate the rhythm, no need for an aim to start out… “Movimento para guiar el desconcierto” [Movement to guide the desconcierto] is the title Marina De Caro has given to her exhibition at the In Situ gallery. On two floors, she has installed drawings (“Navettes,” 2023), ceramics, sculptures, knitted pieces, performance photographs (“Binario Lenguajes Secreto,” 1996). And in the stairwell, a glazed and privileged exhibition space, visible from the exterior, she reactives her “Hormiga Argentina” [Argentine ant] (2006), a group of 16 knitted wool tubes of different colors. A thousand and one versions are possible. They are filled with cotton, are malleable and can infinitely evolve. Marina De Caro has, in turn, created performances, dances, furniture, endless columns… Here, they are suspended in the air like weightless flowers. Topographic acrobatics, intensely colored navels, rhythmic modulations… It is up to each of us to let ourselves be disconcerted and to be taught by the fertility of his or her own imagination. Nothing is frozen, nothing is exclusive in Marina De Caro’s works. “Sensitivity is a kind of knowledge. The body disconcerts thought and experience disconcerts the body. The norm is a single response. I look for new ways of being in the world,” she says. When the visitor looks up going up the gallery’s staircases and the multicolor forms make the space undulate, the body is in charge. It invents a new relationship to the site, a new knowledge exerts a tension and “you can no longer close the door,” she says. It is a matter of appropriating a gesture in the infinitive mode, it will be conjugated, will begin to build a knowledge and will enrich the usual, the daily with a new freedom. The textile affinities with string, cloth, sewing bring her close to Louise Bourgeois. Even if Marina De Caro’s universe is very different from that of the “mother of spiders,” what they have in common is that they both work starting from emotions (Marina De Caro called one of her previous exhibitions “Tierra de las emociones perdidas,” 2021 [The Earth of lost emotions], changing materials depending on what she wishes to say, creating metaphors starting from these materials and having drawing as an active core. “I materialize my desire through drawing. For me, drawing is a familiar means for putting my body in order. It is a ritual for me.” On the upper floor of the gallery, a series of oil drawings is suspended (“Navettes,” 2023). They invite the visitors to make their way. The forms of color of course will bring to mind art history and the cut-out papers of Henri Matisse, but here, one enters the drawing, creating a sensitive, singular, organic, sinuous, multidirectional itinerary through it. In order to be freed from perspective, that single vanishing point established during the Renaissance. A single viewpoint is not sufficient for the eyes and the body. These drawings invite us to multiply the centers going as far as their dilution, to invent one’s own vision, to make one’s way randomly and to invent arrangements, territories, ways of perceiving. Like form, color is a resource-tool to explore sensations, unusual ideas, never yet perceived, never yet heard. Color is an energy whose gush is hindered by symbolic preconceived ideas, crystalized by those industrial color charts. “But color is an identity that moves, like all identities,” says Marina De Caro. “It is a sensibility that involves the body, that is nourished by the differences in experiences, light, geographies. Color does not exist alone, it has a community behavior. It changes according to what surrounds it. And it is not platonic, it affects a body, an object, a situation…” This stance led Marina De Caro to found chronoactivism, an artistic movement that nourishes color in its symbolic, political, athletic, sensitive, emotive potentials. Color gushes out in a large number of the artist’s chromoactivist works. Drawings (“Rose comme un volcan,” 2019, “J’ai découvert qu’elle était et pleurait turquoise,” 2023…); a multicolored ceramic floor whose vibrations of colors intensify walking (“Negro que mueve el univeso,” 2018); performances, a book, an exhibition at the Museo de los Immigrantes in Buenos Aires, 2018). Colors of course evoke the theoretical contribution, in the 20th century of Wassily Kandinsky (“Of the spiritual in art, and in painting in particular,” 1910) and his “Music Room” (1931). But for Marina De Caro, color is corporeal before being spiritual: “I always look for the visitor’s body. His or her body, not the head!,” she says. Art is an experience, a crossing, a reinvention of oneself. For the Lyon Biennale in 2011, she created “Hombre semilla o el mito de lo posibile” [Seed man or the myth of the possible] (2011), a sculpture-installation instituting the myth of a new man, creators of new subjectivities and producer of concrete utopias. The body is presence, as are movements in space. Dance is of central importance to Marina De Caro. She has danced since childhood with her aunt, a classical étoile in the Teatro Colòn troupe of Buenos Aires. She believes that creation always begins with questions on the body and movement: “How do our eyes travel through the images? How do our pores travel through the images? What is the relationship between the eyes and the skin? What is the relationship between the eyes, the nerves and the skin?”* Color, drawing, sculpture, knitting answer these questions. Why the body? Because it is political. Freeing the body is freeing perception, it is making possible other solidarities, other movements, other explorations. Freedm is conquered, it is also demanded. Not being able to act in the singular, it is submitting oneself to the diktat of the norm, of the cadenced body. This conquest of freedom is expressed by the importance given to pedagogy. It is an integral part of her artistic work. In 2009, she was the pedagogic curator of the 7th Biennal of the Mercosul, in Porto Alegre, in Brazil. She invited seven artists in residence and imagined a pedagogical methodology linked to their own artistic universe. One of them, for example, was based on the book The Prince by Niccolò Machiavelli with the artist and sociologist Diego Melero. "I took works that i thought had a strong pedagocial potential and I made them change the system. Thus the concepts of Machiavelli's The Prince gave rise to gymnastic movements. First of all, it is stupid to think that you'll learn something by staying seated on a chair in front of a small table," she says. Diego Melero liked the gymnastic exercices. Therefore, to understand the concepts developed by Machiavelli, he imagined exercises that were devoted to experimenting with strenght, power, the end that justifies the means... A book documents the workshop in which a gylnastic corresponds to each of Machiavelli's concepts. This materialization of concepts is echoed in the micro-opera “El Univreso en un hilo” [The universe in a string], which she premiered in 2017 at the Teatro argentino de La Plata. She wrote its libretto and imagined the costumes and stage sets. Three women, Ofelia, Mélisande and Margarita, take part in a knitting workshop. They share their knowledge, their poetry, their imagination in order to create utopias. Their bodies act as a sound box for music, images, sounds and form a visual poem in which the voice is knitted like a string. Art opens knowledge, freedom, the production of utopias, it permits presence, risk, experience. Art is one of the most precious tools to experiment with the freedom for which Marina De Caro is a tireless activist. It is our most invaluable good, she knows it intensely, she, who grew up in Argentina under the yoke of a military dictatorship. —Annabelle Gugnon *Marina De Caro’s quotations are taken from a personal text that she wrote in 2022 and the other quotations are from the author’s interviews with her in August 2023. ***** « Je pense avec le corps, je dessine avec le corps, mes mains ont des yeux qui crachent des lignes, des formes, des fils et des relations ; les images qui sortent de mes mains me pensent. Mon corps pétrit le monde. »* Marina De Caro est une plasticienne argentine de Buenos Aires, l’une des plus influentes artistes latino-américaines de sa génération. Elle habite le monde en peintre, en dessinatrice, en danseuse, en tricoteuse, en pédagogue, en performeuse… Elle réinvente sans cesse l’espace, elle l’amplifie par des gestes inconnus, y libèrent des géométries pétrifiées. Elle repousse les limites de l’attendu pour donner existence à ce qui vibre, vivifie, à ce qui surprend la norme, l’habitude, le convenu. À ce qui déconcerte. Le “desconcierto” est au cœur de sa première exposition de grande ampleur dans une galerie française, en l’occurrence la galerie In Situ-Fabienne Leclerc. Le verbe déconcerter existe en français mais le substantif est moins fertile qu’en espagnol. « Je veux donner l’espace de ce mot au français », dit Marina De Caro. Car ce mot est le cœur battant de sa pratique et de sa vie, depuis toujours. Elle aborde l’existence, les objets, les matières, les situations avec un étonnement premier, un étonnement philosophique qui passe par le corps : un desconcierto qui déboussole les conventions et initialise des chemins qui ne mèneront peut-être nulle part mais qui détiennent en eux l’énergie du mouvement, du départ. Nul besoin d’une découverte pour que la voie prenne valeur, nul besoin d’une compétition pour prendre la mesure du rythme, nul besoin d'un but pour se mettre en route… « Movimento para guiar el desconcierto » [Mouvement pour guider le desconcierto] est le titre que Marina De Caro a donné à son exposition à la galerie In Situ. Sur deux étages, elle installe des dessins (« Navettes », 2023), des céramiques, des sculptures, des tricots, des photographies de performances (« Binario Lenguajes Secreto », 1996). Et dans la cage d’escalier, lieu d’exposition vitré et privilégié, visible depuis l’extérieur, elle réactive son « Hormiga argentina » [fourmi argentine] (2006), un ensemble de seize tubes en laine tricotée, de différentes couleurs. Ils sont emplis de ouate, sont malléables et évolutifs à souhait. Mille et une versions sont possibles. Marina De Caro en a, tour à tour, réalisé des performances, des danses, des meubles, des colonnes sans fin… Ici, ils sont suspendus dans les airs comme des fleurs en apesanteur. Acrobaties topographiques, ombilics de couleur vitale, modulations rythmiques… A chacun de se laisser déconcerter et d’être enseigné par la fertilité de sa propre imagination. Rien n’est figé, rien n’est exclusif dans les œuvres de Marina De Caro. « La sensibilité est un savoir. Le corps déconcerte la pensée et l’expérience déconcerte le corps. La norme, c’est une réponse unique. Moi, je cherche de nouvelles manières d’être au monde », dit-elle. Quand les yeux se lèvent en montant les escaliers de la galerie et que les formes multicolores font ondoyer l’espace, le corps est à la manœuvre. Il invente une relation inédite au site, un savoir nouveau exerce une tension et « on ne peut plus fermer la porte », dit-elle. Il s’agit de s’approprier un geste à l’infinitif, il se conjuguera, commencera à construire un savoir et enrichira d'une liberté nouvelle le coutumier, le quotidien. Les affinités textiles avec le fil, le tissu, la couture la font parente de Louise Bourgeois. Même si l’univers de Marina De Caro est très différent de celui de la "mère des araignées", elles ont en commun de travailler à partir des émotions (Marina De Caro a nommé l'une de ses précédentes expositions « Tierra de las emociones perdidas », 2021 [La Terre des émotions perdues]), de changer de matériaux en fonction de l'à-dire, d’élaborer des métaphores à partir de ces matériaux et d’avoir le dessin comme noyau actif. « Je matérialise mon désir par le dessin. Le dessin est pour moi un moyen familier pour mettre en ordre mon corps. Il est pour moi un rituel. » Au premier étage de la galerie, une suite de dessins à l’huile est suspendue (« Navettes », 2023). Ils invitent à cheminer. Les formes de couleur évoqueront bien sûr l'histoire de l'art et les papiers découpés d'Henri Matisse mais ici il s'agit d'entrer dans le dessin, d'y réaliser un parcours sensible, singulier, organique, sinueux, multidirectionnel. De s'affranchir de la perspective, ce point de fuite unique établie à la Renaissance. Un seul point de vue ne suffit pas au regard et au corps. Ces dessins invitent à multiplier les centres jusqu'à leur dilution, à inventer sa vision, à s'acheminer au hasard et inventer des agencements, des territoires, des manières de percevoir. Comme la forme, la couleur est un outil-viatique pour explorer des sensations, des idées inouïes, jamais encore perçues, jamais encore entendues. La couleur est une énergie dont le jaillissement est entravé par les a priori symboliques, cristalisé par les nuanciers industriels. « Mais la couleur est une identité qui bouge, comme toutes les identités, dit Marina De Caro. C’est une sensibilité qui engage le corps, qui est nourrie par les différences d’expériences, de lumières, de géographies. La couleur n’existe pas seule, elle a un comportement communautaire. Elle change en fonction de ce qui l’entoure. Et elle n’est pas platonique, elle affecte un corps, un objet, une situation… » Cette prise de position a conduit Marina De Caro à fonder le chromoactivisme, un mouvement artistique qui nourrit la couleur dans ses potentiels symboliques, politiques, sportifs, sensibles, émotifs. La couleur jaillit dans un grand nombre d’œuvres chromoactivistes de l’artiste. Des dessins (« Rose comme un volcan » (2019), « J’ai découvert qu’elle était et pleurait turquoise » (2023)…) ; un sol en céramique muticolore dont les vibrations des couleurs intensifient la marche (« Negro que mueve el universo », 2018) ; des performances, un livre, une exposition au museo de los Immigrantes à Buenos Aires (2018). Les couleurs évoquent bien sûr l’apport théorique, au XXe siècle, de Wassily Kandinsky (« Du spirituel dans l’art, et dans la peinture en particulier », 1910) et de son « Salon de musique » (1931). Mais pour Marina De Caro, la couleur est corporelle avant d’être spirituelle : « Je cherche toujours le corps du visiteur. Son corps, pas sa tête ! », dit-elle. L’art est une expérience, une traversée, une réinvention de soi-même. Elle a réalisé pour la Biennale de Lyon, en 2011, « Hombre semilla o el mito de lo posibile » [Homme graine ou le mythe du possible] (2011), une sculpture-installation instaurant le mythe d’un homme nouveau, créateurs de subjectivités inédites et producteur d’utopies concrètes. Le corps est présence, comme le sont les mouvements dans l’espace. La danse a une importance centrale pour Marina De Caro. Elle danse depuis l’enfance avec sa tante, étoile classique de la troupe du Teatro Colòn de Buenos Aires. La création, pour elle, commence toujours par des questions concernant le corps et le mouvement : « Comment nos yeux voyagent-ils à travers les images ? Comment nos pores voyagent-ils à travers les images ? Quelle est la relation entre les yeux et la peau ? quelle est la relation entre les yeux, les nerfs et la peau ? »* La couleur, le dessin, la sculpture, le tricot y répondent. Pourquoi le corps ? Parce qu’il est politique. Libérer le corps c’est libérer la perception, c’est rendre possible d’autres solidarités, d’autres mouvements, d’autres explorations. La liberté se conquiert, s’exige aussi. Ne pas pouvoir agir au singulier, c’est se soumettre au diktat de la norme, du corps cadencé. Cette conquête de la liberté s’exprime par l’importance accordée à la pédagogie. C’est une partie intégrante de son travail artistique. En 2009, elle a été commissaire pédagogique de la VIIe biennale du Mercosul, à Porto Alegre, au Brésil. Elle a invité plusieurs artistes en résidence et a imaginé une méthodologie pédagogique liée à leur propre univers artistique. Dont un, par exemple, autour du livre « Le Prince » de Nicolas Machiavel avec l’artiste et sociologue Diego Melero. « J’ai pris des œuvres dont j’estimais qu’elles avaient un fort potentiel pédagogique et je les ai fait changer de système. Ainsi les concepts du « Prince » de Machiavel ont donné lieu à des mouvements de gymnastique. D’abord, c’est stupide de penser qu’on va apprendre quelque chose en restant assis sur une chaise devant une petite table », dit-elle. Diego Melero aimait les exercices de gymnastique. Alors, pour comprendre les concepts développés par Machiavel, il a imaginé des exercices où se donnaient à expérimenter la force, le pouvoir, la fin qui justifie les moyens… Un livre documente l’atelier où, à chaque concept de Machiavel, correspond un exercice de gymnastique. Cette mise en corps des concepts trouve un écho dans le micro-opéra « El Universo en un hilo » [L’univers dans un fil] qu’elle a créé en 2017 au Teatro argentino de La Plata. Elle en a écrit le livret, imaginé les costumes et la scénographie. Trois femmes, Ofelia, Mélisande et Margarita, participent à un atelier de tricot. Elles partagent leurs connaissances, leur poésie, leur imagination afin de créer des utopies. Leur corps fait caisse de résonance aux musiques, images, sons et forment un poème visuel où la voix se tricote comme un fil. L’art ouvre la connaissance, la liberté, la production d’utopies, il permet la présence, le risque, l’expérience. L’art est l’un des outils les plus précieux pour expérimenter la liberté dont Marina De Caro est une militante infatigable. C’est notre bien le plus précieux, elle le sait intensément, elle qui a grandi en Argentine sous le joug d’une dictature militaire. —Annabelle Gugnon Les citations* de Marina De Caro sont tirées d’un texte personnel qu’elle a écrit en 2022 et les autres citations sont issues de propos recueillis par l’auteure en août 2023.