Marais, Paris
Angelica Mesiti
Acoustic Light
Galerie Allen[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] Acoustic Light is like a precipitate of Angelica Mesiti's monumental immersive installation The Rites of When, currently on show at the Art Gallery of New South Wales in Australia. A precipitate in the sense that it does not illustrate, does not reflect. Objects are created, each using three stills extracted at the beginning and end of a film installation, as if they might contain it entirely. The objects consist of these images printed onto glass plates, then placed one on top of the other vertically, like photographic plates from the 19th century. They are images ‘edited' as a film is edited, the plates' transparency recalling celluloid film. The creations exist as part of a language nourished by the forms of American experimental cinema of the 60s and 70s, and in particular the Structural Film movement theorized by P. Adams Sitney in 1969. Video art is both medium and material for Mesiti. She makes objects that feel as though we have come to a stop on one of the 24 frames per second of the moving image. As she explains it: "treating them as matter and volume – perhaps paradoxically – offers me a way to rethink the possibilities available to me, beyond the theatrical aspect and the effect produced by immersive installation." Indeed, the title Acoustic Light itself holds a paradoxical resonance. It hints at the presence of images ‘between' the glass-printed images: namely, those of The Rites of When. Mesiti recounts how the experience of the pandemic lockdown impelled her to spend more time in the countryside, in nature, in connection with the cosmos. This monumental video installation on seven vertical screens set in a circular arc, between which visitors can circulate, reveals in multiple movements imaginary rituals linked to the passage of the seasons, the cycle from shortest to longest day, the solstices and equinoxes. The seven screens echo the seven sisters of the Pleiades that indicate the beginning and end of the harvest season. The exhibition space holds the moon, the stars and the sun. Maybe, on the screens, a new kind of carnival, a ritual of the future is taking place. Back at Galerie Allen, light traces appear in the largest installation, like lens flare captured when filming a light source. It recalls the worlds of science fiction, specifically Stanley Kubrick's optical effects in 2001: A Space Odyssey, or Alfred Hitchcock's in Vertigo. They contain the same seduction, of form and color. Works of the Californian Light and Space movement also spring to mind, or the luminous stage sets of Robert Wilson. These images of a filmed reality mingle with other analogue images: Mesiti has captured oil on the surface of bodies of water, looking like a galaxy in the sky. The images remind us of the methods used by experimental filmmakers before digitization, at the turn of the 60s and 70s: Stanley Brackage, Paul Sharits and Len Leye, whose work Mesiti discovered in her early days studying in Australia, the latter hailing from New Zealand. We also remember images produced by Nasa, a sensation of spiritual vertigo at the vastness of the universe. The whole results in a prologue to the installation, allowing it a cosmic dimension, developed over the course of this wandering without words. Can we understand, looking at the sky, where we come from? Can we understand, looking at the sky, how the origin myths of the ancients were elaborated? It is these questions that Mesiti seems to raise through her images. Other objects, smaller in format, mix images of the recomposed cosmos with frames, also taken from The Rites of When, of a forest seen from above, and fields during harvest. This birds-eye view of the trees reveals the fabricated nature of the forest, of the human action of planting, of the collective energy ruling over the construction of earthly worlds. This forested terrain also evokes the fairy tales and legends, the spirits and chimeras that we see in carnival masks. The scenes are filmed slowly, and take on a strange pictorial dimension that verges on the abstract, just like the harvest scenes that we rediscover in other smaller objects in the exhibition. The images uncover the agricultural industrialization that can produce devastating forest fires, as witnessed by Mesiti during the shoot. The furrowed earth in turn recalls the Nazca geoglyphs in the Peruvian desert, or crop circles discovered in Australia, Canada and England. These phenomena have been proved to have been created by humans, but some esoteric enthusiasts continue to assert their paranormal origins. Just as the images of The Rites of When can be ‘edited' by the eye of the viewer, roaming the exhibition space (itself conceived according to the form of the Nebra sky disc), the images on glass plates in Acoustic Light can be edited together in different ways: a motionless transition between two cinematic images. The images that appear in Acoustic Light are of sets emptied of characters, avoiding any kind of narration. They are also silent. The heart of The Rites of When is absent, but it also glides above the exhibition: you must imagine a procession through a forest, peopled with characters dressed with branches and lichens, their faces glowing in the firelight; fingers that snap and resound like raindrops on a roof one stormy evening; dancers caught in the flash of a strobe light, entranced, appearing to express of the possibility of a community… These are the images that haunt this exhibition, a shadow ballet, as if thrown on the wall by magic lanterns, cinema before cinema. —Anaël Pigeat, translated by Jesse Rowan Angelica Mesiti was born in Sydney, Australia in 1976 and currently lives and works in Paris, France. Mesiti is a multi-disciplinary artist whose practice combines performance with video, sound and spatial installation to create immersive environments of absorption and contemplation. Mesiti has long been fascinated by performance: as a mode of storytelling and a means to express social ideas in physical form. In recent years she has been making videos that reveal how culture is manifested through non-linguistic forms of communication, and especially through vocabularies of sound and gesture. There is a focus in her work on the unquantifiable social role played by music — and, by extension, sound in general — in our relationship with the world. Angelica Mesiti's work has been the subject of major solo exhibitions in institutions such as The Rites of When, the Tank at the Art Gallery of New South Wales, Sydney, Australia and Quand faire c'est dire, at the Palais de Tokyo, Paris. She has also participated in numerous group exhibitions, notably at the Maison Européenne de la Photographie, Paris; Talbot Rice Gallery, Edinburgh; Centre Pompidou, Paris; Barbican, London; Musée d'Art Contemporain de Montréal, Canada; Gallery of Modern Art, Sydney; Reina Sofia, Madrid; Carriageworks, Sydney; The Jewish Museum, New York; Institut d'art contemporain, Villeurbanne/Lyon; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; Loop Gallery, Seoul; Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art, Brisbane; Australian Centre for Contemporary Art, Melbourne; Museum of Contemporary Art, Sydney; Tokyo Metropolitan Museum of Photography; Para site, Hong Kong. Her work has also been shown at a number of biennials, including the 58th Venice Biennale, curated by Juliana Engberg, as well as at the International Biennial of Photography. Juliana Engberg, and at the 13th Istanbul Biennial, Turkey, cur. Fulya Erdemci; 2nd Aichi Triennale Nagoya Japan cur. Taro Igarashi; 5th Auckland Triennale, New Zealand, cur. Hou Hanru; 11th Sharjah Biennale, United Arab Emirates, cur. Yuko Hasegawa; 1st Kochin-Mizuris Biennale, Kochi, India. Her work Assembly was the official Australian presentation at the 58th Venice Biennale (2019). ***** Acoustic Light est comme un précipité de l’installation monumentale et immersive The Rites of When, qu’Angelica Mesiti présente actuellement à la Art Gallery of New South Wales en Australie. Un précipité au sens où il n’y a là aucune part d’illustration, ni de reflet. Des objets ont été créés, chacun à partir de trois images prélevées au début et à la fin d’une installation filmique, comme si elles la contenaient tout entière. Il s’agit d’impressions sur des plaques de verre posées les unes sur les autres verticalement, comme des plaques photographiques du XIXème siècle. Ce sont aussi des images « montées » à la façon d’un film – la transparence des plaques rappelle d’ailleurs le celluloïd de la pellicule. Ces créations s’inscrivent dans un langage nourri par des formes de cinéma expérimental américain des années 1960 et 1970, en particulier du cinéma structurel théorisé en 1969 par P. Adams Sitney. Les oeuvres de Tony Conrad, pionner de la musique drone, ont été parmi ses premières sources d’inspiration, ainsi que celles de Tacita Dean, quelques décennies plus tard. Pour Mesiti, l’art vidéo est à la fois médium et matériau. Les objets qu’elle a réalisés sont comme un arrêt sur une des 24 images par secondes qui constituent une image en mouvement. Comme elle l’explique : « Le fait de les traiter comme matière et volume – peut-être paradoxalement – m’offre un moyen de repenser les possibilités dont je dispose, au-delà de l’aspect théâtral et de l’effet produit par l’installation immersive. Le titre Acoustic Light résonne comme un paradoxe. Il laisse également entendre l’existence d’images « entre » les images imprimées sur le verre, c’est-à-dire celle qui composent The Rites of When. Comme Angelica Mesiti le raconte, l’expérience du confinement pendant la crise sanitaire l’a conduite à passer plus de temps à la campagne, dans la nature, en connexion avec le cosmos. Cette installation vidéo monumentale sur sept écrans verticaux disposés en arc de cercle, entre lesquels les visiteurs peuvent circuler révèle, en plusieurs mouvements, des rituels imaginaires liés au passage des saisons, au jour le plus court et au jour le plus long, aux moments du solstice et de l’équinoxe. Les sept écrans font écho aux sept soeurs des Pléiades qui indiquent le début et la fin de la saison des moissons. Dans l’espace d’exposition, il est question de la lune, des étoiles et du soleil. Peut-être s’agit-il d’ailleurs, dans les images sur les écrans, d’un carnaval d’un genre nouveau, de rituels du futur… A la Galerie Allen, dans la plus grande installation apparaissent des traces de lumière, comme des auras lumineuses (lens flare) réalisées en filmant une source de lumière. Elles évoquent l’univers de la science-fiction, en particulier les effets d’optique de Stanley Kubrick dans 2001 Odyssée de l’espace, ou d’Alfred Hitchcock dans Vertigo. Elles en ont la séduction des formes et des couleurs. On pourrait penser aux artistes californiens du mouvement Light and Space, ou encore aux décors scéniques lumineux de Robert Wilson. A ces images d’une réalité filmée se mêlent d’autres images analogiques : Mesiti a filmé des taches d’huile sur des étendues d’eau, qui ressemblent à des galaxies dans le ciel. Ces images rappellent les méthodes des cinéastes expérimentaux d’une ère pré-digitale, au tournant des années 1960 et 1970 : Stanley Brackage, Paul Sharits, ou Len Leye dont Mesiti a découvert le travail au cours de ses premières années de formation en Australie car lui-même était originaire de Nouvelle Zélande. On se souvient aussi des images produites par la Nasa, vertige spirituel sur la taille de l’univers. L’ensemble provient d’un prologue à l’installation, qui lui confère une dimension cosmique développée tout au long de cette errance sans paroles. Comprendrait-on, en regardant le ciel, l’endroit d’où l’on vient ? Comprendrait-on, en regardant le ciel, l’élaboration par les anciens des mythes des origines ? Telles sont les questions que Mesiti semble soulever par ces images. Plus petits par leur format, d’autres objets mêlent des images d’un cosmos recomposé à des images (également prélevées dans The Rites of When) d’une forêt vue du ciel, et de champs en train d’être moissonnés. Les arbres vus à vol d’oiseau révèlent le caractère fabriqué de la forêt, l’action humaine de la plantation, l’énergie collective qui préside à la construction des mondes terrestres. Cet univers forestier évoque également les contes et légendes, les esprits et les chimères que l’on retrouve dans les masques du carnaval. Ces scènes filmées lentement prennent une dimension étrangement picturale, au bord de l’abstraction, tout comme les scènes de moissons que l’on devine dans d’autres petits objets de l’exposition, fruit d’une industrialisation de l’agriculture qui produit d’ailleurs parfois des incendies ravageurs comme ceux dont Mesiti a été témoin lors du tournage de ses images. Ces lignes dans les champs rappellent les géoglyphes de Nazca dans le désert du Pérou, ou les agroglyphes (crop circles) en Australie, au Canada ou en Angleterre. Des phénomènes dont l’origine humaine est avérée, mais qui continuent d’être parfois considérés comme des phénomènes paranormaux par les amateurs d’ésotérisme. Tout comme les images de The Rites of When peuvent montées, dans l’oeil du spectateur, par sa déambulation dans l’espace d’exposition (lui-même conçu selon la forme du Disque céleste de Nebra datant de l’âge de bronze), les images des plaques de verre dans l’exposition Acoustic Light peuvent être montées selon différentes formes : transition immobile entre deux images cinématographiques. Les images de Acoustic Light présentent des décors vidés de leurs personnages, pour éviter toute forme de narration. Elles sont également silencieuses. Le coeur de The Rites of When en est absent, et pourtant il plane sur l’exposition : il faut imaginer une procession dans une forêt avec des personnages coiffés de branchages et de lichens, les visages éclairés par la lumières de flambeaux ; des doigts qui claquent et résonnent comme des gouttes de pluie sur un toit un soir d’orage ; des danseurs surpris par les éclairs d’un stroboscope, au bord de la transe, qui semblent exprimer la possibilité d’une communauté… Ces images hantent l’exposition, un ballet d’ombres, comme produit par des lanternes magiques, du cinéma avant le cinéma. —Anaël Pigeat Angelica Mesiti est née à Sydney, en Australie, en 1976 et vit et travaille actuellement à Paris, en France. Artiste pluridisciplinaire, elle associe la performance à la vidéo, au son et à l’installation spatiale pour créer des environnements immersifs propices à l’absorption et à la contemplation. Depuis longtemps, Mesiti s’intéresse à la performance en tant que mode de narration et moyen d’exprimer des idées sociales sous une forme physique. Ces dernières années, elle réalise des vidéos qui explorent la manière dont la culture se manifeste à travers des formes de communication non linguistiques, notamment les vocabulaires du son et du geste. Son travail met en lumière le rôle social immatériel mais fondamental de la musique — et, par extension, du son en général — dans notre relation au monde. Les œuvres d’Angelica Mesiti ont fait l’objet d’importantes expositions personnelles dans des institutions telles que The Rites of When au Tank de l’Art Gallery of New South Wales à Sydney, en Australie, et Quand faire c’est dire au Palais de Tokyo, à Paris. Elle a également participé à de nombreuses expositions collectives, notamment à la Maison Européenne de la Photographie (Paris), la Talbot Rice Gallery (Édimbourg), le Centre Pompidou (Paris), la Barbican (Londres), le Musée d’Art Contemporain de Montréal (Canada), la Gallery of Modern Art (Sydney), le Reina Sofia (Madrid), Carriageworks (Sydney), le Jewish Museum (New York), l’Institut d’art contemporain de Villeurbanne/Lyon, la Haus der Kulturen der Welt (Berlin), la Loop Gallery (Séoul), la Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art (Brisbane), l’Australian Centre for Contemporary Art (Melbourne), le Museum of Contemporary Art (Sydney), le Tokyo Metropolitan Museum of Photography et Para Site (Hong Kong). Son travail a également été présenté dans plusieurs biennales, notamment la 58ème Biennale de Venise, sous le commissariat de Juliana Engberg, ainsi qu’à la Biennale Internationale de la Photographie, à la 13ème Biennale d’Istanbul (Turquie, cur. Fulya Erdemci), la 2ème Triennale d’Aichi (Nagoya, Japon, cur. Taro Igarashi), la 5ème Triennale d’Auckland (Nouvelle-Zélande, cur. Hou Hanru), la 11ème Biennale de Sharjah (Émirats Arabes Unis, cur. Yuko Hasegawa) et la 1ère Biennale de Kochi-Muziris (Kochi, Inde). Son œuvre Assembly a représenté officiellement l’Australie lors de la 58ème Biennale de Venise en 2019.