Gluts

[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] "Objects + materials occupy real space, very much the way ideas have elbows." —Robert Rauschenberg Thaddaeus Ropac Paris Marais presents the first exhibition in 15 years dedicated to Robert Rauschenberg's sculptural Glut series (1986-94), and the first exhibition of the series ever held in France. In the year of the centenary of the American artist's birth, Gluts runs in parallel to an extensive programme of exhibitions in Rauschenberg's honour taking place at museums and institutions around the world. Beginning with his early Combines (1954-64), Robert Rauschenberg (1925-2008) revolutionised the picture plane through the inclusion of everyday objects, which he termed 'gifts from the street', redefining and expanding the boundaries of what could be considered an artwork. It was in this spirit that he created his Glut series of sculptural assemblages at the end of the 1980s and the beginning of the 1990s. They represent one of his earliest forays into a new material - metal - in the form of found objects assembled and riveted together to create wall reliefs and freestanding sculptures. Unlike in the artist's earlier Combines, however, the found elements in the Gluts are no longer affixed to canvas supports. Instead, they become entirely autonomous, placed directly on the wall or the ground in a wholehearted engagement with the poetics of recycling and reclamation. The Gluts would be the artist's final series of sculptures, as well as his most enduring: the usually restless Rauschenberg continued returning to the series over the span of almost a decade. The Gluts are rarely seen together, with the last exhibition dedicated to them held in 2009-10 at the Peggy Guggenheim Collection, Venice; the Museum Tinguely, Basel; and the Guggenheim Museum, Bilbao. The series was inspired by the artist's visit to Texas in 1985 for his exhibition at the Contemporary Arts Museum, Houston. At the time, Rauschenberg's native Texas was in the midst of a recession due to a surplus, or 'glut', in the oil market, turning its landscape into a wasteland of abandoned vehicles and the rusting signs of failed petrol stations. Returning to his studio in Captiva Island, Florida, Rauschenberg, marked by what he had seen in Texas, sought out similar objects in the local scrapyard, salvaging discarded signs and automotive and industrial parts to create the first Gluts: a gesture that anticipated the environmental concerns that, decades later, have taken a central position in artistic thought and production. Rauschenberg's work throughout the decades embodied his lifelong commitment to collaboration with performers, artists and engineers. As well as choreographing his own performances, he designed lighting, sets and costumes for avant-garde productions by Merce Cunningham, Trisha Brown and Paul Taylor, among others. In 1987, when the set for a performance of Trisha Brown Dance Company's Lateral Pass (1985) in Naples, Italy was stuck in a dock strike and would not make it to the theatre by opening night, Rauschenberg scoured the streets and scrap heaps of Naples to collect materials to make a replacement set. As Brown recalled: 'Bob and his team dumped a truckload of junk backstage and proceeded to sort, stack, drill, and grommet into the night.' He later incorporated pieces from this stage set into the Glut series, referring to them as the Neapolitan Gluts. The exhibition at Thaddaeus Ropac Paris Marais presents several examples of the Neapolitan Glut series alongside the Gluts made in Captiva Island. In some Gluts, the source objects are easily distinguishable through identifying markings, in particular painted lettering: truncated business signs; instructions on industrial pieces; road signs. Summer Glut Fence (1987) notably retains two faded but legible stop signs. As curator and art historian Susan Davidson wrote in the catalogue accompanying the exhibition of the Gluts at the Peggy Guggenheim Collection in 2009: 'Directionals have been a visual trope in Rauschenberg's work as he sought to directly engage the viewer by speaking in the imperatives of the everyday landscape'. Such 'directionals' are found across his works; the stop sign, in particular, appears in another Glut, Stop Side Early Winter Glut (1987), in the collection of The Museum of Modern Art, New York. But Rauschenberg chose and assembled the Gluts not only based on the symbolic significance of their components or the semiotic possibilities of their combination, but also for their formal properties, dissimulating and distilling his source objects into 'lean expressions' of a refined lyricism that belies their scrapyard origins. The Gluts, Davidson adds, represent 'an extremely mature and confident body of work, personal exercises or amusements for Rauschenberg, where the whole becomes more than the sum of its parts.' At first glance the viewer finds elegant formal abstraction; with a second look, what Mark Alizart calls 'the appearance of function' in his essay in the catalogue accompanying the exhibition. In Balcone Glut (Neapolitan) (1987), a ladder projects through the opening in a ventilation duct to imply the titular 'balcony'; the interconnected wheel in Tropical Mill Glut (1989) suggests the titular device. But more than this, there is a sense of anthropomorphism across the Gluts, where the coldest, hardest of materials is animated with details that play on our pareidolia to suggest dangling legs or eyes. These futuristic constructions made from the detritus of a society in which industrialisation has begun to eat itself alive, unexpectedly, call for 'a more human world, not less'; 'ultimately', as Alizart continues, 'the logical consequence of a philosophy that associates art and life'. The exhibition is accompanied by a catalogue including archival photography relating to the Gluts, as well as an essay by philosopher Mark Alizart and an excerpt of choreographer Trisha Brown's account of the creation of the Neapolitan Gluts. Robert Rauschenberg: Gluts is presented in cooperation with the Robert Rauschenberg Foundation. Thaddaeus Ropac gallery has been a partner of the Robert Rauschenberg Foundation since April 2015 and the partnership has resulted in a series of exhibitions, focusing on some of the artist's most innovative and under-recognised series of the 1970s, 1980s and early 1990s, including his Spreads (1975-83), Salvage paintings (1983-85), Borealis (1989), Night Shades (1991) and Phantoms (1991). Gluts at Thaddaeus Ropac Paris Marais opens 100 years - almost to the day - after Robert Rauschenberg's birth on 22 October 1925. In celebration of his centenary, a wide-ranging programme of exhibitions dedicated to the artist is taking place in 2025-26. Gluts runs concurrently with exhibitions at the Museum Ludwig, Cologne; Fundacion Juan March, Madrid; The Menil Collection, Houston; The Guggenheim, New York; and Museum of the City of New York, as well as an exhibition dedicated to Rauschenberg's collaboration with Trisha Brown on the 1979 dance piece Glacial Decoy at Walker Art Center, Minneapolis. These are followed by further exhibitions at M+ Hong Kong and Kunsthalle Krems. Organised by the Robert Rauschenberg Foundation, the programme of exhibitions, which is accompanied by dozens of Centennial grants encouraging the activation of Rauschenberg's works in public collections, aims to build on the artist's legacy of promoting cross-disciplinary explorations and driving social change. ***** "Les objets + les matériaux occupent l’espace réel tout comme les idées ont des coudes." —Robert Rauschenberg Thaddaeus Ropac Paris Marais présente la première exposition consacrée à la série sculpturale de Gluts (1986–94) de Robert Rauschenberg depuis 15 ans, ainsi que la première exposition de cette série en France. Organisée l’année du centenaire de la naissance de l’artiste américain, Gluts est présentée parallèlement à un vaste programme d’expositions en l’honneur de Rauschenberg dans des musées et institutions du monde entier. Dès ses premiers Combines (1954 –64), Robert Rauschenberg (1925–2008) a révolutionné le plan pictural en y incorporant des objets quotidiens, qu’il appelait « cadeaux de la rue », re-définissant et élargissant ainsi les limites de ce qui pouvait être considéré comme une œuvre d’art. C’est dans cet esprit qu’il a créé Gluts, une série d’assemblages sculpturaux, à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Elle représente l’une de ses premières utilisations d’un nouveau matériau – le métal – sous forme d’objets trouvés assemblés et rivetés pour créer des reliefs muraux et des sculptures autoportantes. Contrairement à ses Combines, les éléments trouvés dans les Gluts ne sont pas fixés sur des supports en toile, mais deviennent entièrement autonomes, placés directement sur le mur ou au sol dans un engagement total avec la poétique du recyclage et de la récupération. Les Gluts seront la dernière série de sculptures de l’artiste, mais aussi sa plus durable : habituellement agité, Rauschenberg n’a cessé de revenir à cette série pendant près d’une décennie. Les œuvres Gluts sont rarement réunies, la dernière exposition qui leur a été consacrée ayant eu lieu en 2009–10 à la Collection Peggy-Guggenheim, à Venise ; au Musée Tinguely, à Bâle ; et au Musée Guggenheim, à Bilbao. La série a été inspirée par la visite de l’artiste au Texas en 1985 à l’occasion de son exposition au Musée d’Art contemporain de Houston. À l’époque, le Texas natal de Rauschenberg était en pleine récession en raison d’un excédent (ou glut, en anglais) sur le marché pétrolier, transformant le paysage en un terrain vague de véhicules abandonnés et d’enseignes rouillées de stations-service désaffectées. De retour dans son studio sur l’île de Captiva, en Floride, Rauschenberg, marqué par ce qu’il avait vu au Texas, a cherché des objets similaires dans la déchèterie locale, récupérant des panneaux abandonnés et des pièces automobiles et industrielles afin de créer les premiers Gluts : un geste qui anticipait les préoccupations environnementales qui, des décennies plus tard, ont pris une position centrale dans la pensée et la production artistiques. Au fil des décennies, le travail de Rauschenberg a incarné l’engagement de toute une vie en faveur de la collaboration avec les interprètes, les artistes et les ingénieurs. Il chorégraphiait non seulement ses propres performances, mais a également conçu l’éclairage, les décors et les costumes pour des productions d’avant-garde de Merce Cunningham, Trisha Brown et Paul Taylor, parmi d’autres. En 1987, lorsque le décor pour Lateral Pass (1985), une performance de la Trisha Brown Dance Company à Naples, a été bloqué par une grève portuaire et n’a pas pu arriver au théâtre à temps pour le soir de la première, Rauschenberg a parcouru les rues et les tas de ferraille de Naples afin de récupérer des matériaux pour fabriquer un décor de remplacement. Comme se souvient Brown : « Bob et son équipe ont déversé un camion entier de détritus dans les coulisses et ont commencé à trier, empiler, percer et poser des œillets dans la nuit. » Plus tard, Rauschenberg a incorporé des pièces de ce décor dans la série Gluts, qu’il intitula les Neapolitan Gluts. L’exposition à Thaddaeus Ropac Paris Marais présente plusieurs exemples de la série des Neapolitan Gluts, aux côtés de Gluts réalisés sur l’île de Captiva. Dans certains Gluts, les objets-source se distinguent facilement par des marques d’identification, en particulier des lettres peintes : enseignes commerciales tronquées, instructions sur des pièces industrielles, panneaux de signalisation. Summer Glut Fence (1987) comporte notamment deux panneaux d’arrêt qui demeurent lisibles malgré leur décoloration. Comme l’a écrit la commissaire d’exposition et historienne de l’art Susan Davidson dans le catalogue accompagnant l’exposition des Gluts à la Collection Peggy-Guggenheim en 2009 : « Les panneaux directionnels ont été un motif visuel dans l’œuvre de Rauschenberg, qui cherchait à impliquer directement le spectateur en s’exprimant avec les impératifs du paysage quotidien ». On trouve de tels « panneaux directionnels » à travers ses œuvres ; le panneau d’arrêt, en particulier, apparaît dans un autre Glut, Stop Side Early Winter Glut (1987), qui fait partie de la collection du Museum of Modern Art, à New York. Rauschenberg a non seulement choisi et assemblé les Gluts en fonction de la signification symbolique de leurs composants ou des possibilités sémiotiques de leur combinaison, mais aussi pour leurs propriétés formelles, dissimulant et distillant ses objets- source dans des « expressions maigres » d’un lyrisme raffiné qui dément leurs origines de ferraille. Les Gluts, ajoute Davidson, représentent « un ensemble d’œuvres extrêmement matures et sûres d’elles-mêmes, des exercices personnels ou des amusements pour Rauschenberg, où le tout devient plus que la somme de ses parties ». Au premier coup d’œil, le spectateur découvre une abstraction formelle élégante ; au second, ce que Mark Alizart appelle « l’apparence de la fonction » dans l’essai qu’il a écrit dans le catalogue accompagnant l’exposition. Dans Balcone Glut (Neapolitan) (1987), une échelle dépasse de l’ouverture d’un conduit de ventilation pour suggérer le balcon éponyme ; la roue interconnectée dans Tropical Mill Glut (1989) évoque le moulin dont il est question dans le titre. Mais plus que cela, il y a un sens de l’anthropomorphisme dans les Gluts, où les matériaux les plus froids et les plus rigides sont animés par des détails qui jouent sur notre paréidolie pour suggérer des yeux ou des jambes qui pendent. Ces constructions futuristes réalisées à partir des détritus d’une société où l’industrialisation a commencé à se dévorer, appellent de manière inattendue à « un monde plus humain, pas moins » ; « en fin de compte », poursuit Alizart, « la conséquence logique d’une philosophie qui associe l’art et la vie ». L’exposition sera accompagnée d’un catalogue comprenant des photographies d’archive relatives aux Gluts, ainsi qu’un essai du philosophe Mark Alizart et un extrait du récit de la chorégraphe Trisha Brown sur la création des Neapolitan Gluts. Robert Rauschenberg: Gluts est présentée en collaboration avec la Robert Rauschenberg Foundation. La galerie Thaddaeus Ropac est partenaire de la Robert Rauschenberg Foundation depuis avril 2015 et cette collaboration a donné lieu à une série d’expositions axées sur les séries les plus novatrices et méconnues de l’artiste dans les années 1970, 1980 et du début des années 1990, notamment ses Spreads (1975–83), Salvage (1983–85), Borealis (1989), Night Shades (1991) et Phantoms (1991).