A Dialogue

[Please scroll down for German version / Für Deutsch bitte scrollen Sie nach unten] Galerie Max Hetzler is pleased to present Hans Josephsohn and Günther Förg - A Dialogue. In this first joint exhibition of the two artists, sculptures by Josephsohn with their tactile surfaces are juxtaposed with Förg's grid paintings from the 1990s. Reliefs by both artists from different decades are on display on the upper floor of the gallery. Hans Josephsohn and Günther Förg came from different generations and only met a few times, but from the late 1990s onwards, Förg was familiar with Josephsohn's sculptures. Following his usual practice, he studied his fellow artist's work and was especially fascinated by its materiality. Through Förg's advocacy, Rudi Fuchs, then director of the Stedelijk Museum, became aware of the sculptor's work, which led to Josephsohn's solo exhibition in Amsterdam in 2002. In contrast to Förg's keen interest in his contemporaries, Josephsohn was more solitary in his working habits. His work is characterised by a fascination with mass and forms in space, which he repeatedly recalibrated using specific and recurring shapes over the course of six decades of his career as a sculptor. Since the 1950s, the artist sought to increase the volume of his figures by working with quick-drying plaster, which he had cast in brass or bronze. Traces of his search for the perfect expression of the human body can be seen in the additions and removals of material and in the imprints of his fingers on the finished works. The sculptures are characterised by an urgent physical materiality that combines the immediacy of technique with an aesthetic of timelessness in order to capture 'realite vivante' (living reality). Working from the model, he created individual half-figures, such as the works shown in this exhibition, which were created between 1995 and 2002. Some of them are named, such as Untitled (Lola), 1996, or Untitled (Madeleine), 2000, yet it is only in viewing them that their portrait-like nature can be grasped from the blurring of their forms. Förg's interest in Josephsohn's sculptures related to their materiality, as well as to their uncompromising nature. When he encountered the other artist's work, he had begun to work on the shimmering grids of the paintings known in literature as 'grid pictures.' The proximity between painting and three-dimensionality, which Förg repeatedly explored, becomes apparent in the open, diffused structures of the grids. He was influenced by the Norwegian painter Edvard Munch (1863-1944) and his use of non-figurative elements and colour fields. These works are characterised by the painterly treatment of the canvas, the layered lines of the same colours, and the unorthodox way in which the distinction between negative and positive space threatens to dissolve. The green-black-blue cross-hatched Untitled, 1995 weaves vertical and horizontal brushstrokes into a dense pattern, forming an airy whole that appears almost like fabric when viewed from a distance. The large portrait Untitled, 1996, on the other hand, is dominated by impasto ochre grids that seem to block the view of a hidden green background close to the surface of the painting. Förg's multifaceted approach to art is manifested in the two-dimensional works shown here through subtle allusions to structures and spaces beyond the pictorial plane, thus questioning the boundaries between the artistic disciplines of architecture, painting and sculpture. While Josephsohn's monumental sculptures on the lower floor of the exhibition form 'the counterweight to our bodies,' which Förg describes in conversation with Christoph Schenker as a necessary corporeal counterpart to his painting, relief works by both artists are juxtaposed on the upper floor of the exhibition alongside a large half-figure Untitled (Ruth), 1968, and two grid paintings hanging parenthetically on each end of the room. Concrete reliefs such as Untitled, 1990 by Förg hang alongside bronze reliefs of similar format such as Josephsohn's Untitled, 1974. Similarities become apparent in the dialogue between the works, in their emphasis on weight and presence. In the interplay of surface and light, the concept of the dialogical exhibition becomes tangible for the viewer. Hans Josephsohn (1920-2012) lived and worked in Zurich. Solo exhibitions of his works have been held at international institutions, including the Musee d'Art Moderne de Paris (2024-2025); MASI - Museo d'arte della Svizzera Italiana, Lugano (2020-2021); Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen (2020); ICA Milano (2019); Museum Folkwang, Essen (2018); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (2013); Lismore Castle Arts (2012); MMK Museum fur Moderne Kunst, Frankfurt am Main (2008); Kolumba - Kunstmuseum des Erzbistums Koln (2005); and Stedelijk Museum, Amsterdam (2002), among other major museums. Works by Josephsohn were prominently featured at the 55th Venice Biennale (2013). Works by Hans Josephsohn can be found in the collections of the Aargauer Kunsthaus, Aarau; Kolumba - Art Museum of the Archdiocese of Cologne; Kunsthaus Zurich; Kunstmuseum St. Gallen; Museum Folkwang, Essen; Kunstmuseum Appenzell; Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen; MMK Museum fur Moderne Kunst, Frankfurt am Main; Neue Nationalgalerie, Berlin; and Stedelijk Museum, Amsterdam. Günther Förg (1952-2013) was born in Fussen and died in Freiburg after living and working in Areuse, Switzerland. His work has been shown in numerous solo exhibitions at international institutions, including Fondation Le Corbusier, Paris; CAC Malaga (both 2024); Long Museum, Shanghai (2023); Palazzo Contarini Polignac, Venice (2019); Stedelijk Museum, Amsterdam; Dallas Museum of Art (both 2018); Deichtorhallen, Hamburg (2015); Fundacion Luis Seoane, A Coruña; Museum Brandhorst, Munich (both 2014); Museo Carlo Bilotti, Rome (2013); Essl Museum, Klosterneuburg (2008); Tokyo Museum of Contemporary Art; Musee d'Art Moderne de Paris (both 1991); and Secession, Vienna (1990), among others. Works by Günther Förg are included in major public collections, including the Art Institute of Chicago; The Broad, Los Angeles; Centre Pompidou, Paris; Fondation Beyeler, Basel; Hamburger Bahnhof - Museum fur Gegenwart, Berlin; Kunsthaus Zurich; Moderna Museet, Stockholm; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; Museum Brandhorst, Munich; The Museum of Modern Art, New York; mumok, Vienna; Neue Nationalgalerie, Berlin; Saint Louis Art Museum; San Francisco Museum of Modern Art; Stadel Museum, Frankfurt am Main; Stedelijk Museum, Amsterdam; Tate, London; and Walker Art Center, Minneapolis, to name but a few. ***** Wir freuen uns, Sie auf die Ausstellung Hans Josephsohn and Günther Förg – A Dialogue in den Räumen der Galerie Max Hetzler in der Potsdamer Straße 77-87, Berlin aufmerksam machen zu dürfen. In dieser ersten Doppelausstellung der beiden Künstler sind Skulpturen Josephsohns mit ihren haptischen Oberflächen den Gitterbildern Förgs aus den 1990er Jahren gegenübergestellt. Im oberen Stockwerk sind zusätzlich Reliefs beider Künstler aus verschiedenen Jahrzehnten zu sehen. Hans Josephsohn und Günther Förg entstammten unterschiedlichen Generationen und sind sich persönlich nicht oft begegnet. Seit Ende der 1990er Jahre kannte Förg jedoch die Skulpturen Josephsohns und setzte sich intellektuell mit der Arbeit des Bildhauers auseinander. Grundsätzlich immer sehr interessiert an dem, was andere Künstler taten und dachten, faszinierte ihn insbesondere die Materialität von Josephsohns Arbeiten. Durch seine Vermittlung wurde später auch Rudi Fuchs, der damalige Direktor des Stedelijk, auf das Werk Josephsohns aufmerksam, was zu der Einzelausstellung Josephsohns in Amsterdam im Jahr 2002 führte. Im Gegensatz zu Förgs regem Interesse an seinen Zeitgenossen war Hans Josephsohn solitär in seiner Arbeitsweise und bezog sich nicht auf andere Künstler. Hans Josephsohns Werk ist geprägt von seiner Faszination für Masse und Form im Raum, die er anhand spezifischer und stets wiederkehrender Formen im Laufe der sechs Jahrzehnte seines bildhauerischen Schaffens immer wieder neu austarierte. Seit den 1960er Jahren suchte der Künstler das Volumen und die Form seiner Figuren zu steigern, indem er mit schnelltrocknendem Gips arbeitete, den er dann in Messing oder Bronze gießen ließ. Spuren seiner Suche nach dem perfekten Ausdruck durch die Form lassen sich in den Zugaben und Abnahmen von Material und in den Abdrücken seiner Finger auf den fertigen Werken erkennen. Die Skulpturen zeichnen sich durch eine dringende körperliche Materialität aus, die die Unmittelbarkeit der Technik mit einer Ästhetik der Zeitlosigkeit verbindet, um die „réalité vivante“ (lebendige Realität) zu erfassen. In der Arbeit vom Modell entstanden individuelle Halbfiguren, wie die in der Ausstellung gezeigten Werke, die zwischen 1995 bis 2002 entstanden. Teilweise namentlich benannt, wie Untitled (Lola), 1996 oder Untitled (Madeleine), 2000, muss ihre Portraithaftigkeit aus der Unschärfe der Formen im Betrachten begriffen werden. Förgs Interesse an Josephsohns Skulpturen bezog sich auf deren Materialität ebenso wie auf die ihnen zugrunde liegende Kompromisslosigkeit in der Gestaltwerdung. Als er dem Werk des anderen Künstlers begegnete, hatte er begonnen an den flimmernden Rastern der in der Literatur als „Gitterbilder" bekannten Gemälden zu arbeiten. Die Nähe zwischen Malerei und Dreidimensionalität, die Förg immer wieder beschäftigte, wird in den luftig-aufgelösten Strukturen der Raster offensichtlich. Beeinflusst war er dabei unter anderem von dem norwegischen Maler Edvard Munch (1863 – 1944) und dessen Umgang mit nicht-figuralen Elementen und Farbflächen. Die malerische Behandlung der Leinwand, die geschichteten Linien gleicher Farben, und in die unorthodoxe Art und Weise, in der sich die Unterscheidung zwischen negativem und positivem Raum aufzulösen droht, zeichnen diese Werke aus. Das Grün-Schwarz-Blau schraffierte Untitled, 1995 verwebt in dichtem Muster vertikale und horizontale Pinselstriche und formt aus der Distanz ein fast textil wirkendes luftiges Ganzes. Das große Hochformat Untitled, 1996 dagegen wird durch die pastosen ockerfarbenen Raster dominiert, die nah an der Bildoberfläche den Blick in einen verborgenen grünen Hintergrund zu blockieren scheinen. Förgs vielseitige Herangehensweise an die Kunst manifestiert sich so in den hier gezeigten zweidimensionalen Werken durch subtile Anspielungen auf Strukturen und Räume jenseits der Bildebene, und hinterfragt so die Grenzen zwischen den künstlerischen Disziplinen der Architektur, Malerei und Skulptur. Bilden im unteren Stockwerk der Ausstellung die monumentalen Skulpturen Josephsohns „das Gegengewicht unseres Körpers“, das Förg im Gespräch mit Christoph Schenker als notwendiges körperliches Entgegenkommen zu seiner Malerei beschreibt,[1] so sind im oberen Stockwerk der Ausstellung neben einer großen Halbfigur Ohne Titel (Ruth), 1968 und zwei Gitterbildern, die einer Klammer gleich an beiden Stirnseiten des Raumes hängen, Reliefarbeiten beider Künstler nebeneinandergestellt. Betonreliefs wie Untitled, 1990 von Günther Förg hängen zusammen mit den kleinformatigen Bronzereliefs wie Hans Josephsohns Untitled, 1965/1975. Gemeinsamkeiten werden im Dialog der Arbeiten, in ihrer Betonung von Gewicht und Präsenz offensichtlich. Im Spiel mit Oberfläche und Licht wird die Konzeption der dialogischen Ausstellung für den Betrachter spürbar. Hans Josephsohn (1920–2012) lebte und arbeitete in Zürich. Einzelausstellungen seiner Werke fanden in internationalen Institutionen statt, darunter Musée d'Art Moderne de Paris (2024-2025); MASI - Museo d'arte della Svizzera Italiana, Lugano (2020-2021); Museum zu Allerheiligen, Schaffhausen (2020); ICA Milano (2019); Museum Folkwang, Essen (2018); Yorkshire Sculpture Park, Wakefield (2013); Lismore Castle Arts (2012); MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main (2008); Kolumba - Kunstmuseum des Erzbistums Köln (2005); und Stedelijk Museum, Amsterdam (2002), neben anderen großen Museen. Werke von Josephsohn waren auf der 55. Biennale von Venedig (2013) prominent vertreten. Werke von Hans Josephsohn befinden sich unter anderem in den Sammlungen des Aargauer Kunsthauses, Aarau, des Kolumba –Kunstmuseum des Erzbistums Köln, des Kunsthauses Zürich, des Kunstmuseums St. Gallen, des Museum Folkwang, Essen, des Kunstmuseums Appenzell, des Museums zu Allerheiligen, Schaffhausen, des MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, der Neuen Nationalgalerie, Berlin, und des Stedelijk Museum, Amsterdam. Günther Förg (1952–2013) wurde in Füssen geboren und starb in Freiburg, nachdem er in Areuse (Schweiz) gelebt und gearbeitet hatte. Sein Werk wurde in zahlreichen Einzelausstellungen in internationalen Institutionen präsentiert, darunter Fondation Le Corbusier, Paris; CAC Málaga (beide 2024); Long Museum, Shanghai (2023); Palazzo Contarini Polignac, Venedig (2019); Stedelijk Museum, Amsterdam; Dallas Museum of Art (beide 2018); MEWO Kunsthalle Memmingen (2016); Deichtorhallen, Hamburg (2015); Fundación Luis Seoane, A Coruña; Museum Brandhorst, München (beide 2014); Museo Carlo Bilotti, Rom (2013); Essl Museum, Klosterneuburg (2008); Tokyo Museum of Contemporary Art; Musée d'Art Moderne de Paris (beide 1991); und Secession, Wien (1990), unter anderem. Werke von Günther Förg sind in bedeutenden öffentlichen Sammlungen vertreten, darunter im Art Institute of Chicago, The Broad in Los Angeles, Centre Pompidou in Paris, Fondation Beyeler in Basel, Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart in Berlin, Kunsthaus Zürich, Moderna Museet in Stockholm, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum Brandhorst, München; The Museum of Modern Art, New York; mumok, Wien; Neue Nationalgalerie, Berlin; Saint Louis Art Museum; San Francisco Museum of Modern Art; Städel Museum, Frankfurt am Main; Stedelijk Museum, Amsterdam; Tate, London; und Walker Art Center, Minneapolis, um nur einige zu nennen. 1 - G. Förg im Gespräch mit C. Schenker, 1989, zitiert aus Günther Förg: Trunk Road and Branch Roads, Ausst. Kat., Shanghai: Long Museum, 2023, S. 14

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