Marais, Paris
Jacqueline de Jong
Disasters
Galerie Allen[Scroll down for French version / Veuillez trouver ci-dessous la version française] “To designate a hell is not, of course, to tell us anything about how to extract people from that hell, how to moderate hell’s flames. Still, it seems a good in itself to acknowledge, to have enlarged, one’s sense of how much suffering caused by human wickedness there is in the world we share with others.” “But what she wished to get hold of was that very jar on the nerves, the thing itself before it has been made anything.” Jacqueline de Jong was an artist who was always oriented towards the world. She engulfed and immersed herself in the images that came at her via newspapers, art history books, TV and the internet. Unable to escape this flood – an “overwhelming amount” of imagery, as she herself described it – she felt compelled to respond to it in and with her art. Her works in Disasters reflect this engagement, which in recent years saw her focus in particular on the images of warfare and human suffering dominating the news cycle. These paintings are the expressions of a haunted mind, the aftereffects of images that cannot be unseen. The works on display, among them the last paintings made by Jacqueline de Jong before her death, fall into two categories: those from a series of paintings dedicated to wars and other crises – the refugee crisis on the Greek border (Borderline), the Ukraine war (Ukraine) and, most recently, the atrocities in Gaza (Gaza) – and then one canvas that belongs to another series, her “loose works.” De Jong developed these two different bodies of work alongside each other. The “loose works” make no direct reference to contemporary political realities and are populated by a wild array of humanoid creatures – skeletons, monsters, animal-human hybrids – in chaotic distribution. When De Jong talked about why she chose to paint these horrific events, she referred to a sense of inevitability, an urgency. She felt it necessary to respond to what she deemed “essential facts.” What De Jong saw is reflected in these paintings: her painterly process brought the imprint of images from her mind to the canvas. Her paintings, despite their sometimes cartoonish inflections, are savage and indelible. I think this was her way of being truthful, of being honest about the kind of world we live in. It felt important to look when looking was most difficult – to stay with trouble, always, unflinchingly. It’s not enjoyment that is at stake here, but persistence, as Maggie Nelson has pointed out in her writing on art and cruelty. The paintings are marked by a certain flatness, a flatness that imposes itself on the retina, reminding us of images seen on screens. They often contain two or more scenes, as if De Jong has collaged different shreds of a shattered screen (Evros, Kythira), or a screen that has been horizontally split (Disasters). They impose themselves at seemingly little or no distance from the realities they seek to depict, evoking a sense of things happening all at once. Flattened and condensed, they contain too much. There is violence in the way the distance between foreground and background seems to have been shrunk (Gaza); there is a sense of desperation and helplessness in the way bodies are brought together on one plane, close to the viewer, floating, often naked, with no perspective or ground for us or them to hold on to (Evros, Kythira). These chaotic, all-over arrangements are rendered in stark, bold colours. A fact becomes an image, becomes an onslaught, becomes sensation. Figuration becomes figure. Deleuze suggested that modern painting’s goal was to attain a “sensation” directly, without the cliché of representation. In order to achieve this, he saw two possible paths: either by moving towards abstraction or by mobilising the “figural,” into which reality dissolves, yet figural forms still prevail. He makes a distinction between “figuration” and “figure.” The figure is the form that evokes a sensation that immediately acts on the “nervous system,” through the violence of that sensation, whereas figuration refers to a form that is related to an object it is supposed to represent. De Jong’s paintings mobilise this tension: her figuration becomes figure as it dissolves into fluid, chaotic textures. While she processed the imprint and onslaught of images of war relatively directly in the Borderline, Ukraine and Gaza series, in her “loose works” she let her mind float, conjuring dream-like congregations of – oftentimes fantastical – characters, equal parts dangerous, dark, deadly and erotic. Jacqueline de Jong never believed her art could change the course of history. She did not believe that bluntly showing the horrors of wars would stop them being waged. Her view was different: it showed a commitment to atrocity and horror as inevitable parts of life, expressions of a sickening, deranged force. As Fanny Howe wrote: “After all, the point of art is to show people that life is worth living by showing that it isn’t.” "In memoriam of Jacqueline de Jong. I miss you, my dearest friend, with your unflinching eye and your kindest heart." —Melanie Bühler Jacqueline de Jong (b. 1939, Enschede. Died 2024, Amsterdam, The Netherlands) was forced to flee Holland during World War II and her early life was marked by social upheaval. Her publishing, painting and sculptures have spanned over six decades, in which motifs of eroticism, desire, violence and humour recur with an irrepressible progression switching between different styles; from expressionist painting to new figuration and pop art and constantly reinventing herself while adhering to her pioneering personal vision. Jacqueline de Jong has received restrospective exhibitions at Stedelijk Museum, Amsterdam; Musée les Abattoirs, Toulouse; Wiels, Brussels; Mostyn Contemporary Art Gallery, Wales, and Kunstmuseum Ravensburg, Germany. In 2019 Jacqueline de Jong was awarded the Prix Aware for Outstanding Merit at the Ministry for Culture in Paris, France and in 2023 was honored with the Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres acknowledging her considerable contributions to the arts from the 1960’s though to the present day. Her artworks are held in prestigious institutional collections internationally including Centre Pompidou, Paris; Stedelijk Museum, Amsterdam; MAM, Paris; Musée les Abattoirs, Toulouse; Museum Arnhem, Arnhem; Bibliothèque Nationale de France BNF, Paris; Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam; Cobra Museum for Modern Art, Amstelveen; Frans Hals Museum, Haarlem; Kunstmuseum Göteborg; Moderna Museet, Stockholm; MCCA Toronto; MoNA, Tasmania and the Rachofsky Collection, Dallas. In 2011, De Jong’s entire archive from the 1960s was acquired by the Beinecke Rare Book & Manuscript Library of the Yale University in New Haven. ***** « Désigner l’enfer ne nous dit rien, bien sûr, de ce que l’on peut faire pour tirer les gens de cet enfer, ni modérer ses flammes. Cela semble être un bien en soi, pourtant, que de reconnaître, d’élargir, notre appréciation du degré de souffrance induite par la méchanceté humaine dans ce monde que nous partageons avec d’autres. » « Mais ce dont elle voulait s’emparer c’était la discordance qui agit sur les nerfs, la chose elle-même avant qu’on en ait rien tiré. » Jacqueline de Jong était une artiste profondément ouverte sur le monde. Elle s’immergeait, s’engouffrait au sein des images qui lui venaient des journaux, des livres d’histoire de l’art, de la télévision et d’Internet. Incapable d’échapper, selon ses mots, à « cette écrasante quantité » de contenus déversés, il était pour elle nécessaire d’y répondre avec et par son art. Les œuvres exposées dans Disasters reflètent cet engagement personnel qui s’est particulièrement focalisé, ces dernières années, sur les images de guerre et de souffrance omniprésentes dans nos médias. Comme les séquelles d’images qu’on ne pourra jamais oublier, ses peintures sont le reflet d’un esprit véritablement hanté. Les œuvres réunies pour cette exposition, où figurent notamment les toutes dernières toiles réalisées par Jacqueline de Jong avant sa disparition, appartiennent à deux catégories : sa série de peintures consacrée aux guerres et crises de ce monde — la crise des réfugiés à la frontière grecque (Borderline), la guerre en Ukraine (Ukraine) et, plus récemment, les atrocités commises à Gaza (Gaza) — ainsi qu’une toile appartenant à une autre série qu’elle appelait ses loose works (ou « peintures libres »). De Jong a développé ces deux corpus d’œuvres en parallèle. Affranchis de la moindre référence directe à l’actualité politique, ses loose works à la composition désordonnée convoquent un bestiaire chaotique de créatures humanoïdes, de squelettes, de monstres et d’hybrides mélangeant l’humain et l’animal. Lorsque De Jong était interrogée sur les raisons qui la poussaient à peindre certains évènements atroces, elle évoquait un sentiment d’urgence et d’inévitabilité. Elle estimait nécessaire de réagir à ce qu’elle considérait comme des « faits incontournables ». Ce que De Jong a vu se reflète dans ses peintures : son travail pictural renvoie l’empreinte de ces images de son esprit vers la toile. Ses tableaux, parfois à la limite du grotesque, possèdent une dimension sauvage, indélébile. Je pense que cela correspondait à sa manière de rester sincère, d’être honnête sur le genre de monde où nous vivons. Il était pour elle crucial de ne pas détourner le regard, aussi pénible que cela puisse être, de toujours faire face à la situation, sans faiblir. Ce n’est pas de plaisir qu’il s’agit, mais bien de persévérance, comme Maggie Nelson l’a souligné dans ses écrits sur l’art et la cruauté. Ces tableaux se démarquent par une bidimensionnalité qui s’impose à la rétine en rappelant la nature des images qui s’affichent sur nos écrans plats. Ils contiennent souvent deux scènes ou plus, comme si De Jong avait réassemblés les fragments d’un écran brisé (Evros, Kythira) ou divisé horizontalement (Disasters). Le point de vue est très rapproché, quand il ne semble pas collé aux réalités qui sont ainsi dépeintes, renforçant le sentiment de simultanéité totale. Cet aplatissement, cette condensation conduisent à un point de saturation. Car la violence s’exprime aussi dans la manière dont la distance entre premier- et arrière-plan semble avoir été comprimée (Gaza) ; ailleurs, le désespoir et l’impuissance transparaissent dans la disposition des corps réunis sur un même plan, au plus près du spectateur, comme flottant, souvent nus, sans perspective ni terre ferme auxquelles se raccrocher, ni pour eux, ni pour nous (Evros, Kythira). Ces compositions chaotiques, recouvrant tout l’espace, font appel à des couleurs crues et contrastées. Un fait devient une image qui, par un assaut des sens, devient sensation. La figuration s’y fait figure. Deleuze suggérait que le but de la peinture moderne était d’atteindre une « sensation », directement, sans passer par le cliché de la représentation. Pour y parvenir, il voyait deux voies possibles : en se dirigeant vers l’abstraction ou en mobilisant la notion de « figural », dans laquelle la réalité tend à se dissoudre, mais où les formes figurales prévalent toujours. Il établissait ainsi une distinction entre « figuration » et « figure ». La figure correspond à la forme qui évoque une sensation, qui agit immédiatement sur le « système nerveux », par la violence de cette sensation, tandis que la figuration se réfère à une forme liée à l’objet qu’elle est censée représenter. Les œuvres de Jacqueline De Jong mobilisent cette tension : son approche figurative devient figure en se dissolvant en textures fluides et chaotiques. Alors qu’elle traitait assez directement l’impact du déferlement des images de guerre dans les séries Borderline, Ukraine et Gaza, ses loose works laissent son esprit flotter, conjurant des groupes (souvent fantastiques) de personnages mêlant à parts égales noirceur, érotisme et danger mortel. Jacqueline de Jong n’a jamais pensé que son art pouvait dévier le cours de l’histoire. Elle ne croyait pas que montrer brutalement l’horreur des guerres les empêcherait de se produire. Mais elle refusait de se détourner de l’atrocité et de l’horreur, qu’elle voyait comme des aspects inévitables de la vie humaine, des manifestations d’une force à la fois révoltante et insensée. Comme l’a écrit Fanny Howe : « Le but de l’art est de prouver aux gens que la vie vaut la peine d’être vécue en montrant qu’elle ne l’est pas. » "À la mémoire de Jacqueline de Jong. Tu me manques, ma très chère amie, avec ton regard si déterminé, avec ton cœur si généreux." —Melanie Bühler, Traduit par Noam Assayag Jacqueline de Jong (née en 1939 à Enschede et décédée en 2024 à Amsterdam, Pays-Bas) fut contrainte de fuir la Hollande pendant la Seconde Guerre mondiale, sa jeunesse fut ainsi profondément marquée par les grands bouleversements sociaux du XXème siècle. Ses publications, peintures et sculptures s’étendent sur plus de six décennies. Les motifs de l’érotisme, du désir, de la violence et de l’humour reviennent avec une évolution irrépressible. De Jong avait la brillante capacité de passer d’un style à l’autre - de la peinture expressionniste à la nouvelle figuration et au pop art - et de se réinventer constamment tout en témoignant d’une vision véritablement personnelle et pionnière. Son oeuvre a fait l’objet d’expositions rétrospectives au Stedelijk Museum d’Amsterdam, au Musée des Abattoirs de Toulouse, au Wiels de Bruxelles, à la Mostyn Contemporary Art Gallery du Pays de Galles et au Kunstmuseum Ravensburg d’Allemagne. En 2019, De Jong s’est vu décerner le prix Aware par le ministère de la culture à Paris pour son mérite exceptionnel. Quatre années plus tard, en 2023, elle fut nommée Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres pour ses contributions considérables à l’art depuis les années 1960 jusqu’à nos jours. Ses œuvres sont présentées à l’international dans de prestigieuses collections institutionnelles, tels que le Centre Pompidou à Paris, le Stedelijk Museum à Amsterdam, le MAM à Paris, le Musée les Abattoirs à Toulouse, le Museum Arnhem à Arnhem, la Bibliothèque nationale de France à Paris, le Musée Boijmans van Beuningen à Rotterdam, le Cobra Museum for Modern Art à Amstelveen, le Frans Hals Museum à Haarlem, le Kunstmuseum Göteborg, le Moderna Museet à Stockholm, le MCCA à Toronto, le MoNA en Tasmanie et la Rachofsky Collection à Dallas. En 2011, la Beinecke Rare Book & Manuscript Library de l’université de Yale à New Haven fit l’acquisition de l’ensemble des archives de De Jong à partir des années 1960.